Die Grammys

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Interview

Die Pop-Hitmacherin blickt zurück auf die Singles und Deep Cuts, die einige der lustigsten Erinnerungen und persönliches Wachstum hervorbrachten – und wie das alles zu ihrem fünften Studioalbum „Gag Order“ führte.

Beim Anhören von Keshas neuem Album „Gag Order“ wird eines sofort klar: Sie ist nicht mehr das gleiche Mädchen, das die Welt 2009 kennengelernt hat.

Während „Gag Order“ weniger optimistisch ist als Keshas vorherige Alben, ist es das introspektivste und verletzlichste, was sie als Songwriterin je erlebt hat. Aber alles macht Sinn; Dies ist ein Mädchen, das sehr öffentliche Traumata und gesundheitliche Probleme durchgemacht hat, das endlich den Durchbruch geschafft hat und auf der anderen Seite Hoffnung gefunden hat. Trotzdem hat sie das Mädchen nicht aus den Augen verloren, das sich einst mit einer Flasche Jack die Zähne geputzt hat.

„Ich kenne drei Alben in der Geschichte meines Lebens, in die ich jede Faser meines Lebens gesteckt habe – Animal, Rainbow und jetzt Gag Order“, erzählt Kesha GRAMMY.com. „Ich bin unglaublich stolz darauf, was [Gag Order] ist und wer ich dadurch geworden bin.“

Sie bezeichnet Gag Order als einen „emotionalen Exorzismus“, was eine unbestreitbar zutreffende Beschreibung der dunklen, aber dennoch kathartischen Erzählung des Albums ist. Es fühlt sich an wie die Erlösung, die Kesha seit „Rainbow“ (2017) angestrebt hat und die ältere, weisere Schwester der schrulligen Figur in „Animal“ (2010) ist. Und obwohl „Gag Order“ vielleicht anders klingt, ist Kesha fest davon überzeugt, dass jede Phase ihrer Karriere dazu beigetragen hat, sie an diesen Punkt zu bringen – auch wenn es eine „emotionale Achterbahnfahrt“ war.

Um die Veröffentlichung von Gag Order zu feiern, blickte Kesha auf ihre gesamte Diskographie zurück und wählte 10 Songs aus, die für ihre Geschichte am wichtigsten sind – egal, ob es sich um lustige Momente, Karrierehöhepunkte, einen besonderen Entstehungsprozess oder einen Lieblingsmoment auf der Bühne handelte. Lesen Sie unten die Auswahl des Sängers und erfahren Sie, warum Lieder wie „Blow“, „Praying“ und „Happy“ für das Gefüge von Kesha von entscheidender Bedeutung sind.

Ich war auf einer langen Flugreise von LA nach London. Es war das erste Mal, dass ich das Upgrade in die Business Class bekam, und ich erinnere mich, dass ich dachte: „Oh mein Gott, heißt das, dass ich es geschafft habe?“

Direkt hinter mir waren diese beiden Kinder, und sie waren die ganze Fahrt über so nervig – etwa 13 Stunden lang, mit Schreien und Singen. Und ich erinnere mich, wie ich mich an die Person neben mir wandte, die damals mein Manager war, und ich sagte: „Oh mein Gott, diese Kinder sind so …“ und dann fingen sie an, „Tik Tok“ zu singen, und ich tat es Wie süß."

Ich habe gerade angefangen zu lachen. Und ich dachte bei mir: Nun ja, ich höre gerade zwei Fünfjährigen zu, die darüber singen, wie sie sich mit einer Flasche Jack die Zähne putzen, also liebe ich sie jetzt.

Von einem Auftritt in einem Club in L.A. namens „The Echo“ stieg ich auf etwa 20 Leute an, und „Tik Tok“ kam heraus, und mein nächster Auftritt war Lollapalooza, und auf der Bühne war ein Meer von Leuten. Und ich war wirklich verwirrt. Ich dachte, sie wären vielleicht auf der falschen Bühne aufgetaucht. Und als ich dann anfing zu spielen, sangen mir alle „Tik Tok“ vor und es war so überwältigend aufregend. Das war ein weiterer Moment, in dem ich dachte: „Oh, das wird die Richtung meines jetzigen Lebens verändern.“

Und dann haben „Die Simpsons“ das Intro zu [der Serie] überarbeitet, aber mit „Tik Tok“ – und ich glaube, das hatten sie zu diesem Zeitpunkt noch nie zuvor gemacht. Ich bin mir nicht sicher, ob sie es noch einmal getan haben. Aber ich weiß noch, dass ich dachte: „Ich glaube, ich habe etwas getan, das den Zeitgeist auf eine bestimmte Art und Weise trifft, mit der ich nicht gerechnet hatte.“

Es ist so ein lustiger Song und ich erinnere mich, dass ich mit James Van Der Beek das Video dazu gemacht habe. Und es war so eine lustige Erinnerung, denn in der ursprünglichen Idee für das Video sollten wir uns küssen, aber stattdessen entschieden wir beide, dass es unendlich seltsamer wäre, zum Beispiel Käse zu essen.

Es war Zufall und er ist der netteste Kerl der Welt. Offensichtlich unglaublich talentiert, aber so nett und so cool. Es war eine wundervolle Erfahrung, mit ihm zusammenzuarbeiten, weil er wirklich dabei war, es so seltsam zu machen, wie wir es finden. Ich war wirklich zufrieden damit, wie seltsam das Video geworden ist.

Dieses Lied live zu spielen ist eines meiner Lieblingserlebnisse, denn es ist der Teil meiner Live-Show, bei dem ich die Welt mit Glitzer überschütten kann. Ich habe immer meinen bewährten Glitzerrucksack dabei, den ich seit 2008 habe. Ich hatte einen speziell angefertigten Glitzerrucksack, der für die Leute, mit denen ich auf Tour war, der Fluch ihrer Existenz war, weil er ständig explodierte. Jeder hatte überall Glitzer, bis zu dem Punkt, an dem er sich aufregte. Sie sagten: „Ich habe das verdammte Glitzern in meinem Bauchnabel gefunden!“ und ich sagte: „Ich weiß nicht, was ich dir dazu sagen soll, es tut mir wirklich leid.“

Ich war einfach so zufrieden mit meinem Stiftspiel. Außerdem habe ich das mit meiner Mutter geschrieben, also war es wirklich lustig, mit deiner Mutter dieses düstere, verrückte Lied über das Essen von Menschen zu schreiben. Ich komme von ihr, also ist sie genauso verrückt wie ich. Das fasst unsere Beziehung zusammen.

Wenn ich es live spiele, habe ich meinen Tänzern ein S&M-Knick-Kreuz angeschnallt, ihnen das Herz herausgerissen und dann mein Gesicht mit Kunstblut bedeckt – so, als würde ich mich der kannibalischen Routine hingeben, eines von meinen zu essen Tänzer. Meine Lieblingsmomente in jeder Show, die ich jemals gespielt habe, sind der Glitzerangriff und die Kannibalismus-Routine.

Es war wirklich cool zu sehen, wie die Leute auf TikTok sich wieder mit diesem Lied identifizieren. Ich habe das Gefühl, dass es diesen großen Aufschwung wie vor ein oder zwei Jahren gab, als alle daran arbeiteten. Ich schätze immer die „Kannibalen“-Liebe.

Als ich mein altes Haus betrat, verspürte ich den überwältigenden Drang, zur Gitarre zu greifen. Ich saß auf meinem Bett und schrieb das Lied ganz schnell alleine. Dieses Lied war etwas ganz Besonderes für mich. Ich wusste, dass ich wollte, dass es das Album eröffnet.

Das Rainbow-Album war der Zeitpunkt, an dem ich den Schritt vollzog, in Richtung Stärke und Kraft zu wechseln. Ich liebe es, wenn dieser Umschwung beim Erstellen eines Albums passiert, denn normalerweise gibt es Selbstreflexion, ein bisschen Selbstzweifel, Selbstmitleid, Traurigkeit, und dann kommt der Moment, in dem man sich in die „Fick-dich-Territorium“-Situation verwandelt, wenn es richtig ernst wird Gut.

Ich bin wie jeder Mensch. Ich lese nicht gerne negative Dinge über mich. Aber irgendwann verwandelt es sich von Selbstverprügelungen und Selbsthass in diesen Selbstverstoß gegen das, was ich bin. Und wenn du mich nicht magst, dann f-du. Alle meine Hasser sollten wissen, dass sie einige meiner besten Songs befeuern.

Wenn ich diesen Song live spiele, liebe ich es, wenn alle meine Fans ihre Telefone anzünden und mit mir singen. Denn es fühlt sich an wie eine Hymne der Existenz und des Stolzes darauf, wer man ist, und nicht nur darauf, zu überleben, sondern zu feiern, wer man ist, und nicht zuzulassen, dass die Meinungen anderer die Oberhand über einen gewinnen. Ich liebe es wirklich, es zu spielen, weil es wie ein Ozean aus Lichtern ist und man das Gefühl hat, in diesem Ozean der Liebe zu schwimmen.

„Beten“ ist unbeschreiblich einer der Höhepunkte meiner Karriere. Das war so ein herausforderndes Lied, und es ist das beredteste, anmutigste und schönste Lied, das ich je gehört habe. Da sind so viele Emotionen drin, aber die Seele dieses Liedes ist, dass ich genau weiß, wer ich bin und wofür ich stehe.

Ich werde diesem Lied für immer und ewig dankbar sein. Ich habe das Gefühl, dass das eine kosmische Interpretation aus dem Universum war, die mir und den Co-Autoren dieses Liedes geschenkt wurde. Es war einfach die perfekte Kombination für meiner Meinung nach das beste und anmutigste F-You-Lied, das es je gab. Und ich bin kein größenwahnsinniger Narzisst, aber ich habe das Gefühl, etwas Abstand dazu zu haben, das kann ich jetzt wirklich sehen.

„Beten“ hat für mich neue Maßstäbe gesetzt. „Praying“ wurde zu dem Lied, das ich jedes Mal zu schlagen versuche, wenn ich ein Lied schreibe, weil ich von dem, was ich und die anderen Autoren gemacht haben, so beeindruckt war.

Da wir aus einer Musikfamilie stammen, ist das wie unsere Abstammung. Und als Songwriter habe ich das Gefühl, dass ich meine Vorfahren mit bestimmten Momenten meiner Karriere stolz machen kann. Und „Beten“ gehörte definitiv dazu.

Das Lied hat so viel Spaß gemacht. Das war eine Art Wiedergewinnung meiner Freude in einer Zeit, in der ich nicht das Gefühl hatte, berechtigt zu sein, Freude zu haben. Ich hatte das Gefühl, dass die Freude nicht mir gehörte und dass ich sie mir ohne Erlaubnis zurückstahl.*

Ich bin ein guter Mensch, der die schlechten und lustigen Seiten des Lebens liebt. Ich glaube, ich wollte das feiern, anstatt mich selbst zu beschämen, denn ich habe das Gefühl, dass jeder ein gewisses Maß an Schlechtigkeit braucht, um das Leben wirklich zu genießen.

„Raising Hell“ war ein besonderer Moment für mich, vor allem die Produktion des Videos. Das war so kathartisch, denn ich durfte das Lied feiern, aber ich durfte auch dieses tolle Erzählvideo mit Luke Guilford machen, in dem ich die Figur sein konnte, von der ich immer geträumt habe – eine Mischung aus Evangelikalen Prediger, Mörder und Bandit.

Es gab eine Szene, die herausgeschnitten wurde, als ich die Leiche eines Mannes über den Boden schleife. Ich schleppte in dieser Plane tatsächlich etwa 50 Kilogramm und ich erinnere mich, dass ich drei Minuten lang nur schallend geschrien habe. Wir wollten es in das Video einbauen, aber es wirkte einfach so psychotisch, dass alle anderen sagten: „Wir können keine drei Minuten haben, in denen du schreist.“ Und ich dachte: „Aber warum nicht?“ [Lacht]

Ich werde mich für immer an diese Szene erinnern, weil es so befreiend war, eine Leiche schreiend durch den Raum zu ziehen. Ich weiß nicht, was daran war, aber es wird für immer einer meiner Lieblingsmomente in meiner Karriere bleiben.

Das ist ein direktes Zitat meiner Mutter. Sie sagte: „Iss niemals die Säure, du willst nicht so verändert werden, wie sie mich verändert hat.“ Sie erzählte mir, dass ich, als ich noch ganz jung war, und bis heute noch nie Säure gegessen habe. Das ist die Ironie des gesamten Albums, denn das war der Katalysator für mein neues Album.

In der Nacht, bevor ich dieses Lied geschrieben habe, hatte ich einfach diese ganze Angst und fühlte mich wirklich destabilisiert in diesem kollektiven Trauma, das die ganze Welt in den letzten paar Jahren erfasst hat. Ich hatte dieses spirituelle Erwachen, den Ego-Tod, die Psychomagie – so nenne ich diese Nacht. Und ich hatte dieses umfassende visuelle Erlebnis und Gespräch mit dem, was ich jetzt als die Quellenergie betrachte.

Ich hatte wirklich das Gefühl, dass das ein psychotischer Zusammenbruch war, aber dann sprach ich mit meiner Therapeutin und sie sagte: „Nein, herzlichen Glückwunsch, das ist ein spirituelles Erwachen.“ Deshalb habe ich beschlossen, mich bei diesem Album darauf einzulassen und wirklich darauf einzugehen, was diese Erfahrung war. Ich wollte, dass der Song und das Album so klingen, wie ich mich fühle.

Ich wollte das Lied unbedingt mit Selbstvertrauen und Kraft beenden. Es ist diese Reise des Zerlegens, um es wieder zusammenzusetzen, und das Aufbrechen der Illusion, um einen Neuanfang zu schaffen – eine Wiedergeburt. Und am Ende ist meine letzte Aussage sozusagen: Jetzt werde ich mich nur noch darauf konzentrieren, das ist mir klar geworden, glücklich zu sein. All die externe Validierung und diese Dinge, von denen ich immer dachte, dass ich sie haben wollte, sehen anders aus, als ich erwartet hatte. Anstatt Ruhm, Glückshäuser, Autos, Freunde, Online-Liebe oder irgendetwas Materielles zu erlangen, liegt mein Fokus mehr darauf, zu lernen, mich selbst zu lieben, mit meiner Vergangenheit Frieden zu finden und eine leere Tafel für meine Zukunft zu öffnen.

„Eat The Acid“ ist der erste Song, den ich für das Album geschrieben habe. Es war ein unbestreitbarer Moment, in dem ich dachte, das sei wirklich anders, und ich weiß nicht, ob das irgendjemandem gefallen wird. Aber das ist es, was es ausmacht, ein Künstler zu sein, und wenn ich in diesem Leben das große Vergnügen habe, ein Künstler zu sein, wäre es für mich selbst und jeden, der die Zeit damit verbringt, meine Musik zu hören, ein schlechter Dienst, wenn ich nicht ganz ehrlich sein würde, wo ich bin 'Matte. Denn jedes Album und jeder Song ist wie ein kleines Kapitel im Buch dessen, wer ich bin. Es wird das sein, was noch lange nach meinem Tod überlebt.

Das war der entscheidende Moment des Albums, in dem ich meine Stärke fand. Das war einer der ersten Songs, die ich in diesem kleinen Mini-Schreibcamp mit Justin Tranter in seinem Haus in den Bergen geschrieben habe. In seinem Keller saßen acht Schriftsteller. Wir sitzen alle auf dem Boden und ich erinnere mich nur daran, wie ich ihnen gesagt habe: „Ich möchte wirklich diese starke Hymne darüber, wie viel Hass ich in meiner Karriere an diesem Punkt ertragen musste. Ich bin so glücklich, an einem Punkt zu sein, an dem …“ es treibt mich fast an.

Als ich in einem Raum voller acht Leute saß und schrie: „Hasse mich noch mehr“, stellte ich mir vor, das [mit] einer Arena meiner Fans zu tun. Es fühlt sich so kraftvoll und so stark an.

Der Song, der das Album eröffnete, war „Eat the Acid“, und der Song, der das Album verankerte, war „Only Love“. Denn während der emotionalen Achterbahnfahrt, die ich bei der Arbeit an [Gag Order] durchlebte, kehrte ich immer wieder zum Mantra zurück: „Nur die Liebe kann uns jetzt retten.“ Das ist mein Mantra für den Zustand der Welt, das ist mein Mantra für alle meine zwischenmenschlichen Beziehungen – zu versuchen, mit Liebe zu führen, auch wenn man sich inmitten all dieser anderen Emotionen befindet. Es ist also der Anker und eigentlich das Herzstück des Albums.

Wir saßen im Shangri La, Rick Rubins Studio in einer Kapelle, und ich war bei diesem Album so intensiv mit der emotionalen Seite beschäftigt, dass ich eines Tages hinging und wir diesen Song so schnell rausbrachten. Ich habe in dieser sehr prägnanten Idee sozusagen alles angesprochen, was in der Welt vor sich geht: Es gibt Schmerz und dann ist da noch die Darstellung. Die Strophen sind also Schmerz und Wut, und die Refrains sind Hingabe und Hoffnung.

Ich erinnere mich, dass ich Rick Rubin eine SMS geschrieben habe, in der er sagte: „Oh mein Gott. Ich glaube, mein neuer Song wird dich zum Kacken bringen.“ Und er sagte: „Yay!“ [Lacht] Und dann sagte ich: „Hast du gekackt?“ Und er sagte: „Ja!“ Ich bin mir ziemlich sicher, dass das bedeutete, dass es ihm gefiel.

„Glücklich“ ist meine Wiedergeburt. „Glücklich“ ist das leere Blatt. „Glücklich“ bedeutet, dass ich aus den Trümmern dessen herauskomme, wer ich war und was ich durchgemacht habe.

Glück ist jetzt mein Ziel, während es früher möglicherweise an Bestätigung und materielle Dinge gebunden war – Erfolge und Zahlen und Statistiken und Autos und Kleidung und Marken. „Glücklich“ versuche ich jetzt in jeder einzelnen Sache, die ich tue, in jedem Atemzug, den ich nehme, in jedem Satz, den ich sage, zu verkörpern. Ich möchte nicht nur glücklich sein, sondern ich wünsche es auch allen anderen, weil ich das Gefühl habe, dass es viel weniger Schmerz und Gewalt auf der Welt gäbe, wenn wir alle glücklich wären. Auf diese Weise öffne ich mich meiner Zukunft.

Ich könnte mir vorstellen, nie wieder ein Album herauszubringen oder in sechs Monaten ein Album herauszubringen. Ich habe keine Ahnung, wohin ich gehe. Ich weiß nur, dass ich bei allem, was ich tue, nicht nur glücklich sein, sondern mit Glück und Liebe führen möchte.

Ich denke, das war die Erfahrung von Gag Order – mir wurde klar, dass ich keine Kontrolle habe, also könnte ich genauso gut diesen emotionalen Exorzismus durchführen, damit ich wirklich wiedergeboren werden kann. Ich bin also einfach offen für das Universum, um zu sehen, wohin es mich führt. Und ich bin wirklich gespannt, wo das ist, während ich vorher das Gefühl hatte, ich müsse mich an einen Standard halten, wer ich bin. Jetzt habe ich das Gefühl, dass ich mich an keine Maßstäbe halten muss, das ist alles eine Illusion. Ich bin wahnsinnig neugierig, was das Universum als nächstes für mich bereithält, und ich habe überhaupt keine Ahnung, was das ist.

Hören Sie sich die Playlist zum LGBTQIA+ Pride Month 2023 von GRAMMY.com mit Demi Lovato, Sam Smith, Kim Petras, Frank Ocean, Omar Apollo und mehr an

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Liste

Von Dua Lipa bis Joe Budden haben einige der größten Namen der Musikbranche den Eintrag „Podcast-Moderator“ in ihre beeindruckenden Lebensläufe aufgenommen. Schnappen Sie sich Ihre Kopfhörer und hören Sie sich neun der aufschlussreichsten und kreativsten Shows unter der Leitung von Künstlern an.

Da Podcasts bei Hörern immer beliebter werden, sind sie auch zu einer bevorzugten Spielwiese für Musikschaffende geworden, auf der sie sich ausdrücken können – und im Gegenzug eine neue Seite ihrer Kunst zeigen können.

Ob stundenlange Interviews mit freundlicher Genehmigung des Early Adopters Questlove, lockere Gespräche mit musikalischer Begleitung von Norah Jones oder eine wichtige Geschichtsstunde von Sam Smith – Podcasts ermöglichen es Künstlern, stärker mit ihren Fans in Kontakt zu treten. Und obwohl es bereits eine unterschiedliche Auswahl an von Musikern geleiteten Shows gibt, scheint dies erst der Anfang einer neuen Podcast-Welle zu sein.

Nachfolgend lernen Sie neun der interessantesten von Künstlern gehosteten Podcasts kennen, die es gibt.

„Norah Jones Playing Along“ ist eine relativ neue Ergänzung im Podcast-Bereich und genau das, wonach es sich anhört. Moderiert von der Sängerin „Come Away With Me“, zeigt Jones, wie sie mit einem Kader ihrer Musikerfreunde und -kollegen am Klavier spielt. Die Gästeliste der Show ist ähnlich vielfältig. Zu den jüngsten Episoden gehörten unvergessliche Gespräche mit dem Indie-Folk-Künstler Andrew Bird, dem Country-Singer-Songwriter Lukas Nelson und dem Jazz-Virtuosen Robert Glasper, die die Zuschauer allesamt auf eine musikalische Reise durch ihre Kataloge und darüber hinaus mitnahmen.

Der legendäre Musikproduzent Rick Rubin, bekannt als der weise Weise der Musik, zeigt seine Zen-Energie und seine unstillbare Leidenschaft für Musik in diesem informativen Podcast, den er zusammen mit dem Journalisten-Autor Malcolm Gladwell, dem Redakteur der New York Times Bruce Headlam und dem Produzenten Justin Richmond moderiert. Ähnlich wie Rubins Liste der Kollaborateure – die von allen reicht, darunter Johnny Cash, Adele und Rage Against the Machine – wechselt die Show im Zickzack zwischen aufschlussreichen Interviews mit einer Reihe der erfolgreichsten Namen der Musikbranche, darunter Giles Martin, Feist, Usher und The Edge , Aaron Dessner und Babyface.

Neben ihrer mit einem GRAMMY ausgezeichneten Musikkarriere hat die Pop-Ikone Dua Lipa eine sprudelnde unternehmerische Ader in Form von Service 95, einer plattformübergreifenden Lifestyle-Marke, die einen Newsletter und Sonderveranstaltungen umfasst. Es produziert auch den beliebten Podcast „At Your Service“, in dem Lipa eine Vielzahl von Persönlichkeiten interviewt, darunter Musiker (die Mitarbeiter Charli XCX und Elton John), Kulturgrößen (Dita Von Teese) und Aktivisten (Brandon Wolf), um entspannte Gespräche über ihre jeweiligen Karrieren zu führen .

Neben seinen Rollen als Gründungsmitglied der Roots, Bandleader bei „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“, produktiver Filmemacher und Bestsellerautor fügt Questlove mit Questlove Supreme einen Podcast-Moderator zu seinem reichen kulturellen Spektrum hinzu. Die Show ist stolz auf lockere, intime und tiefgründige Gespräche mit dem Who-is-Who der Musikgrößen, sei es ein mehrstündiger, emotionaler Chat mit Mariah Carey, ein aufschlussreiches Gespräch mit der Trompetenlegende Herb Alpert oder Ikonen wie dem verstorbenen Wayne Shorter an Bruce Springsteen und Manager Shep Gordon.

Die britische Sängerin Jessie Ware arbeitet mit ihrer Mutter Lennie in diesem spritzigen Podcast zusammen, in dem die „Free Yourself“-Sängerin ein köstliches hausgemachtes Essen zu sich nimmt und dabei ein ebenso leckeres Gespräch führt. Ob die beiden rosa Lachs mit Pink, Auberginenkuchen mit Shania Twain oder Spinatkuchen und Florentiner mit Kim Petras essen, alles sorgt für eine äußerst hörbare (und hungrige) Variante des Mediums.

Anfang des Jahres startete Red Hot Chili Peppers-Gitarrist Flea die Interviewreihe This Little Light, die sich auf die Bedeutung der Musikausbildung konzentriert. Kurz darauf konnte sich der Podcast bereits mit prominenten Gästen rühmen, darunter Cynthia Erivo, Patti Smith und Margo Price. „Ich wollte This Little Light machen, um meiner Musikschule, dem Silverlake Conservatory of Music, zu helfen“, sagte er in einer Erklärung bei der Veröffentlichung. „Die Idee dahinter ist Musikunterricht, sich in Musik zu verlieben und sich auf eine musikalische Reise für sein Leben zu begeben. Jeder Weg ist so anders und es ist faszinierend zu erfahren, wie jeder Musiker zur Musik kam und sein Studium im Laufe der Zeit weiterentwickelte.“ "

Der fünfmalige GRAMMY-Gewinner Sam Smith moderiert eine berührende und informative Geschichte der AIDS-Krise aus britischer Sicht – von den frühesten, herzzerreißenden Tagen der Krankheit bis hin zu modernen Geschichten, einschließlich des Todes von Terry Higgins (einem der in der Region lebenden Menschen). (früheste Todesfälle) sowie bahnbrechende Behandlungen. Der sorgfältig recherchierte und im dokumentarischen Stil erzählte BBC-Podcast ist zu gleichen Teilen inspirierend und herzzerreißend – zeigt aber vor allem, dass Künstler effektiv Geschichten erzählen können, die über den Bereich der Musik hinausgehen, und gleichzeitig das Bewusstsein dafür schärfen.

Anders als alle anderen Podcasts auf dieser Liste weichen Dance Music King und David Guetta vom Interviewformat ab und lassen die Musik sprechen. Guetta moderiert diesen wöchentlichen einstündigen Podcast, der gleichzeitig als Playlist dient und eine Auswahl von Songs enthält, die Guetta selbst handverlesen hat. Die Show beginnt normalerweise mit einem Remix von Guetta selbst (er präsentierte kürzlich seine Interpretation von Kim Petras und Sam Smiths GRAMMY-prämiertem Hit „Unholy“) und erforscht dann eine Vielzahl elektronischer Tracks von einer unterschiedlichen Liste von Künstlern, darunter auch Tracks aus dem Dance-Bereich Musikliebhaber Olivier Giacomotto, Idris Elba und Robin Shulz.

Acht Jahre nach seiner Veröffentlichung ist der Joe Budden Podcast immer noch erfolgreich. Der gleichnamige Rapper und seine Freunde sprechen als Moderatoren über Hip-Hop-Themen und ihr eigenes Leben. Die aktuellen Themen konzentrieren sich auf alles von Chers Liebesleben bis zur Met Gala . Jede Episode – die sich regelmäßig um die Drei-Stunden-Marke bewegt – ist für Budden und seine Freunde wie eine Fliege an der Wand. Natürlich gibt es unterwegs Promi-Interviews und schlagzeilenträchtige Chats mit Größen wie Akon und NORE

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Tom Petty

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Nachricht

Im Vorfeld von Pettys lang erwarteter, umfangreicher Neuauflage von „Wildflowers“ spricht GRAMMY.com diejenigen an, die es – und seinen geliebten verstorbenen Autor – am besten kennen

Jahrelang warteten Tom-Petty-Fans sehnsüchtig auf die Veröffentlichung der zweiten Hälfte von „Wildflowers“, Pettys geschätzter zweiter Soloplatte, die am 1. November 1994 erschien. Co-produziert vom mehrfachen GRAMMY-Gewinner Rick Rubin, Tom Petty und Heartbreakers-Gitarrist Mike Campbell „Wildflowers“ war ursprünglich als Doppel-CD mit 25 Liedern konzipiert, doch Pettys neues Plattenlabel Warner Bros. verlangte, dass es zu einem Ein-CD-Album mit 15 Liedern zusammengefasst werden sollte. Vier Songs aus den Wildflowers-Sessions landeten auf dem Soundtrack von She's The One. Ein weiterer Song, „Leave Virginia Alone“, wurde von Rod Stewart aufgenommen und im Finale der 20. Staffel von „Saturday Night Live“ uraufgeführt. Die restlichen fünf Songs erblickten nie das Licht der Welt.

Heute jedoch, zwei Wochen nach dem dritten Jahrestag von Pettys frühem Tod und einige Tage vor dem 70. Geburtstag der Rockikone, wurde „Wildflowers & All The Rest“ endlich veröffentlicht. Die Sammlung wurde von Pettys langjährigem Ingenieur und Co-Produzenten Ryan Ulyate produziert und von Pettys Töchtern Adria und Annakim, Campbell, Heartbreakers-Keyboarder Benmont Tench und Pettys Frau Dana (das Paar heiratete 2001) kuratiert. Es sind mehrere Editionen in verschiedenen Formaten (digital/CD/Vinyl) erhältlich, beginnend mit einer 2-CD/3-LP-Neuauflage von Wildflowers remastered und All The Rest mit den bisher unveröffentlichten 10 Titeln, der Deluxe Edition (die auch 15 Home-Tracks enthält). Demos und 14 Live-Auftritte von 1995 bis 2017) und die Super Deluxe Edition, die Finding Wildflowers enthält und 16 alternative Studioaufnahmen umfasst.

Ein Maßstab in seiner illustren Karriere und sein am schnellsten verkauftes Album „Wildflowers“, das innerhalb von neun Monaten nach seiner Veröffentlichung mit dreifachem Platin ausgezeichnet wurde, waren für Petty von großer Bedeutung. Im Gespräch mit dem Autor/Journalisten Paul Zollo in „Conversations with Tom Petty“ sagt Petty: „Ich denke, es ist vielleicht meine Lieblings-LP, die ich je gemacht habe. Obwohl ich bei einigen davon eine gewisse Vorliebe habe. Aber ich denke, Im Großen und Ganzen ist es ein wirklich langes Musikstück – es ist fast 70 Minuten lang –, aber das ist es, was mich wirklich packt, wenn ich es höre. Ich kann irgendwie sagen: „Wow, darauf bin ich wirklich stolz. Das kam.“ genau so raus, wie ich es wollte.‘“

Während Petty Lieder für Wildflowers schrieb, war seine Ehe mit seiner Frau Jane Benyo leider am Scheitern. (Das Paar heiratete 1974, bekam die Töchter Adria und Annakim und ließ sich 1996 scheiden.) Voller Schmerz, Einsamkeit und Unsicherheit veränderte sich Pettys Songwriting entsprechend der Krise in seinem Privatleben, was sich in den Texten und Songtiteln von Wildflowers widerspiegelte, darunter „ Hard On Me“, „Time To Move On“ und „Only A Broken Heart“. Intimer und rauer als je zuvor drückt Petty inmitten gelegentlicher Lichtschimmer offen seine Traurigkeit, seinen Kummer und seine Frustration aus.

Aufgenommen im Sound City in Van Nuys über einen Zeitraum von etwa zwei Jahren ab 1992 „Wildflowers“ war technisch gesehen keine Heartbreakers-Platte, aber alle Heartbreakers tauchten trotzdem auf, mit Ausnahme von Schlagzeuger Stan Lynch, der durch Steve Ferrone ersetzt wurde, als die eskalierenden Spannungen mit Lynch ihren Höhepunkt erreichten. Ringo Starr, der bei „To Find A Friend“ Schlagzeug spielte, und Carl Wilson, der bei „Honey Bee“ den Hintergrundgesang beisteuerte, waren die besonderen Gäste der Platte.

Im Eröffnungs- und Titeltrack, dem süß melodischen „Wildflowers“, singt Petty: „Du gehörst zu den Wildblumen/ Du gehörst in ein Boot draußen auf See/ Segel weg, totschlage die Stunden/ Du gehörst irgendwo hin, wo du dich frei fühlst.“ Obwohl es nie als Single veröffentlicht wurde, war „Wildflowers“ ein großer Hit bei Petty-Fans. In einer Audioaufnahme, die auf Tom Pettys offizieller Instagram-Seite gepostet wurde, verrät Petty, dass der improvisierte Song eine Abkehr von seinem üblichen Songwriting-Prozess war. „Der ‚Wildflowers‘-Song war eines der wenigen Male, die mir in meinem Leben passiert sind. Ich bin einfach in mein kleines Studio zu Hause gegangen, habe das Mikrofon eingeschaltet und den ganzen Song von Anfang bis Ende gespielt.“ mit allen Texten und der Musik auf einmal. Und dann stoppte ich das Band und spielte es ab, und ich war wirklich irgendwie, wissen Sie, verwirrt. Ich spielte es immer wieder ab und dachte: „Na, woran arbeiten wir?“ und was würde ich ändern?' Und dann dachte ich: ‚Ich werde es nicht ändern. Ich werde es einfach im Bewusstseinsstrom belassen.‘“

Obwohl Petty sich dessen damals nicht bewusst war, schrieb er „Wildflowers“ tatsächlich für jemanden ganz bestimmten Menschen, jemanden, der dringend Mitgefühl und Freiheit brauchte. Er hat es für Tom Petty geschrieben. Laut Warren Zanes Bestseller „Petty: The Biography“ (2015) hörte sich Pettys Therapeut das Lied an und „fragte den Sänger, wen er ansprach. ‚Ich sagte ihm, ich sei mir nicht sicher‘, sagt Petty. ‚Und dann er.‘ sagte: „Ich weiß. In diesem Lied geht es um dich. Das ist, dass du vor dich hinsingst, was du hören musstest.“ „Es hat mich irgendwie zurückgeworfen. Aber mir wurde klar, dass er Recht hatte. Ich habe für mich gesungen.“

Mit Rock, Folk und Blues durchzogen, landeten die von der Kritik gefeierten „Wildflowers“ auf Platz acht der Billboard 200-Plattencharts. Der Rolling Stone bewertete das Album mit 4 Sternen. „Die entschlossene Leidenschaft und Reife von Wildflowers wird mit jedem Hören deutlicher, bis das Album eine eindringliche, anhaltende Resonanz erhält.“ Wildflowers wurde für den GRAMMY in der Kategorie „Bestes Rock-Album“ nominiert und brachte vier erfolgreiche Singles hervor, die jeweils Positionen in den Mainstream-Rock-Charts von Billboard erreichten; das augenzwinkernde „It's Good To Be King“, „You Don't Know How It Feels“ (GRAMMY Award für die beste männliche Rock-Gesangsdarbietung und MTV Music Video Award für das beste männliche Video), „A Higher Place, „ und „Du machst mich kaputt.“

Petty trug ursprünglich den Titel „You Rock Me“ und teilte die Hintergrundgeschichte zu „You Wreck Me“ bei der Tom Petty Storytellers-Session von VH1 im Jahr 1999 mit. „Ich nannte das Lied ‚You Rock Me, Baby‘ und, wissen Sie, Sie können es.“ Ich sage das nicht mehr wirklich, weil mir sowieso darauf hingewiesen wurde, dass die Band einfach nur den Kopf hielt und sagte: „Du kannst nicht ‚You rock me‘ in einem Song singen“, was meiner Meinung nach Sinn machte. ..und dann, eines Nachts, wurde es mir klar. Es heißt: „Mich ruinieren.“ Alles, was ich tat, war, „Rock“ durch „Wrack“ zu ersetzen, und wir sagten: „Du hast mich ruiniert, Baby.“ Damit lächelt Petty, kichert und beginnt mit dem hochenergetischen Rocker mit den Heartbreakers.

Es besteht die Möglichkeit, dass das Lied überhaupt nie aufgenommen wurde. Campbell, der die Musik für „You Wreck Me“ schrieb und mehrere Petty-Hits mitschrieb, darunter „Refugee“ und „Runnin‘ Down A Dream“, sagte, dass Petty zunächst das Demo gefiel, das Campbell ihm gegeben hatte. Doch als Campbell Monate später nach dem Lied fragte, sagte Petty, er sei sich nicht sicher, ob er wisse, wo er es hingelegt habe. Eines Tages fragte Rubin Campbell im Studio, ob er irgendwelche Songs hätte. Als Campbell es ihm vorspielte, sagte Rubin ihm, er solle das Lied Petty zeigen, aber Campbell sagte, er habe es bereits getan. Rubin schlug vor, es Petty noch einmal zu zeigen.

„Ich habe es Tom noch einmal gezeigt und ihn irgendwie angestupst und gesagt: ‚Warum schreibst du das nicht?‘“, erzählt Campbell GRAMMY.com. „Das Witzige ist, ich glaube, weil Tom vielleicht damit beschäftigt war, seine eigenen Songs zu schreiben, und er davon überwältigt war, war er am Anfang nicht wirklich begeistert von diesem Track. Er hat es irgendwie unter Zwang gemacht. Ich habe verstanden.“ Als wir es aufnahmen, hatte ich das Gefühl, dass es nicht zu seinen Lieblingsliedern gehörte. Aber als wir auf Tour gingen, spielten wir das Lied ein paar Tage nach Beginn der Tour live und es kam so gut an, dass er sich zu mir beugte und sagte: ‚Jetzt verstehe ich es. Das ist wirklich ein gutes Lied.‘“

Der Filmemacher/Fotograf Martyn Atkins, der sowohl beim Musikvideo „You Wreck Me“ als auch beim Dokumentarfilm „400 Days“, den er während der Aufnahme von Wildflowers und seiner Tour drehte, Regie führte, entwarf die geschmackvolle, zurückhaltende Verpackung und das Cover der Platte; vier Schwarzweißfotos, eines davon zeigt Petty, wie er auf dem Weg zum Aufnahmestudio aus dem Fenster eines Lieferwagens blickt, vor einem braunen Hintergrund aus Bastelpapier mit einem roten Kreis, der eine rote Perlenblume im unteren Bereich des Covers umgibt. linke Ecke und sorgt für den einzigen Farbtupfer. Pettys Name und „Wildflowers“ sind oben in Kleinbuchstaben in Atkins‘ Handschrift geschrieben.

Atkins verbrachte viel Zeit mit Petty, machte Fotos und drehte Filmaufnahmen, um den Ideen freien Lauf zu lassen. Inspiriert von der Intimität von Pettys Liedern entschied sich Atkins für ein zurückhaltendes Design. „Mein Gedanke an die Verpackung und die Grafik für „Wildflowers“ war, dass es sich etwas selbstgemachter anfühlen sollte, etwas Handwerkliches, das Tom kreiert hat. Ich habe dieses Gefühl von der Musik bekommen. Es war viel verinnerlichter, als es von Tom kam. Es fühlte sich an wie du.“ „Wir bekamen etwas Persönliches“, sagt Atkins am Telefon. Für die Titelfotos schnitt und druckte er Negative aus seinem 16-mm-Filmmaterial, anstatt eine normale Kamera zu verwenden. „Ich wollte etwas Grobkörniges und echtes Korn für das Albumcover haben. Die Idee war, nichts Glänzendes zu haben.“

Er erklärt die Bedeutung der roten Perlenblume. „Tom hatte einen Tabakbeutel in seinem Haus, einen Beutel aus Wildleder der amerikanischen Ureinwohner mit einer Perlenblume darauf. Ich glaube, jemand hatte ihn ihm geschenkt. Er fragte sich, ob wir ihn irgendwie verwenden könnten. Ich nahm ihn mit und fotografierte ihn und schlug vor, es wie ein Siegel auf dem Cover zu machen, etwas Grafisches, das zum Motiv werden könnte. Die Idee gefiel ihm, weil ihm die Tasche etwas bedeutete. Wir machten Aufkleber davon und fügten sie der CD-Verpackung bei.“

Petty selbst klebte einen Wildflowers-Aufkleber auf die obere linke Ecke einer seiner Lieblingsgitarren, seiner blonden Telecaster (Spitzname „Torucaster“ für Gitarrenbauer Toru Nittono), wo der Aufkleber bis heute geblieben ist. Einige von Atkins‘ Wildflowers-Fotografien sowie Bilder der Fotografen Mark Seliger und Robert Sebree sind in der neuen Box enthalten.

Petty sehnte sich schon seit Jahren danach, die beliebten „Wildflowers“ zusammen mit der zweiten Hälfte neu aufzulegen.„Er hielt es für wirklich wichtig, weil das Vermächtnis des Wildflowers-Albums eine große Rolle in seiner Karriere spielte und er wusste, dass die zweite Hälfte von Wildflowers ein wichtiges Statement war“, sagte Rick Rubin im Gespräch mit Bestsellerautor Malcolm Gladwell über „Broken Record“. Podcast im Jahr 2018.

Ulyate und Petty öffneten 2013 zum ersten Mal den Tresorraum der Wildflowers und brüteten in den Pausen zwischen den Aufnahmesitzungen für Hypnotic Eye, Tom Petty und das letzte Studioalbum der Heartbreakers über Kassetten. Bis 2014 hatten sie die zehn bisher unveröffentlichten Wildflowers-Tracks neu abgemischt, die Petty sequenziert und „All The Rest“ genannt hatte. Petty wählte auch einige Home-Demos aus, die sie als Bonusmaterial veröffentlichen wollten. Er erzählte dem Rolling Stone von einer Zwei-CD-Veröffentlichung von Wildflowers, die für Weihnachten geplant sei. Ein Jahr später veröffentlichte Petty den Song „Somewhere Under Heaven“ aus der Wildflowers-Ära als Promotion für eine Wildflowers: All The Rest-Sammlung, für die es noch kein Veröffentlichungsdatum gab. Er wartete auf die Veröffentlichung von „Wildflowers: All The Rest“, wenn er ihm seine ungeteilte Aufmerksamkeit widmen und es mit einer Tournee richtig promoten konnte. Zwischen der Tournee mit Hypnotic Eye, der Zusammenarbeit mit seiner Band Mudcrutch aus den frühen 70ern (zu deren Mitgliedern die Heartbreakers Campbell und Tench gehören) und der Tour zum 40-jährigen Jubiläum von Tom Petty and the Heartbreakers im Jahr 2017 hielt er sich mit Wildflowers: All The Rest zurück, bis er ihm Priorität einräumen konnte .

„Er hat keine Pfunde Musik herausgebracht“, sagt Ulyate am Telefon. „Er dachte darüber nach und meinte: ‚Ich möchte das Ding nicht einfach wegwerfen.‘ Er war nie darauf aus, den Markt mit Sachen zu überschwemmen. Wenn er es einfach herausgebracht hätte, ohne dafür Werbung zu machen, hatte er das Gefühl, dass es nicht die Resonanz gefunden hätte, die es seiner Meinung nach verdient hatte, also beschloss er, sich zurückzuhalten. Er würde wieder darauf zurückkommen , ziehen Bilanz und finden heraus, wie es weitergeht, wenn sie 2017 ihre Tour verlassen haben.

Während der 40-jährigen Jubiläumstour von Tom Petty and the Heartbreakers umfasste die 18 Songs umfassende Setlist fünf Wildflowers-Songs sowie eine Reihe klassischer Petty-Hits, darunter „American Girl“, „Free Fallin‘“ und „Mary Jane’s Last Dance“. Zwei Tage nach Ende der Tour, nach drei ausverkauften Abenden im Hollywood Bowl, sagte Petty der LA Times, dass er seine Aufmerksamkeit wahrscheinlich als nächstes auf das Wildflowers-Projekt richten werde. Obwohl er sagte, er müsse noch einiges recherchieren, spekulierte er, dass eine Theaterresidenz in drei Städten anstelle von Stadien und Arenen am besten zum Material passen könnte.

„Wir hatten mehrere Diskussionen darüber, eine Tour nur mit Wildflowers-Songs zu machen, vielleicht im Kino“, sagt Campbell. „Über so viele Jahrzehnte hinweg war es eine Greatest-Hits-Tournee, was großartig ist, aber das wäre eine ganz andere Sache gewesen. Wir könnten dieses intime Album teilen und hätten verschiedene Gastsänger mit der Band mitgebracht, um es zu geben.“ eine andere Stimmung und ein anderes Erlebnis als auf den Touren, die wir gemacht hatten, was für uns künstlerisch lohnend gewesen wäre.“ Laut Campbell gehörten zu den potenziellen Gastsängern, über die sie gesprochen hatten, Jeff Lynne, Eddie Vedder, Norah Jones und Stevie Nicks.

Tragischerweise starb Petty, der an Emphysem, Arteriosklerose der Herzkranzgefäße, Knieschmerzen und einer gebrochenen Hüfte litt, fünf Tage nach seinem Interview mit der LA Times plötzlich im Alter von 66 Jahren an einer versehentlichen Überdosis verschreibungspflichtiger Schmerzmittel. Aber Pettys unvergleichliches Erbe lebt mit „Wildflowers & All The Rest“ weiter, das im Anschluss an zwei frühere posthume Veröffentlichungen von Tom Petty erscheint: „An American Treasure“ (2018) und „Best Of Everything“ (2019).

In den letzten Monaten wurden mehrere Songs und Videos von Wildflowers & All The Rest veröffentlicht: Pettys Home-Demos von „Wildflowers“, „You Don’t Know How It Feels“ und „There Goes Angela (Dream Away)“. nach Pettys Tod ausgegraben. „Das haben wir nicht gefunden, als Tom in der Nähe war“, sagt Ulyate. „Wir haben ungefähr die Hälfte der Demos mit Tom gefunden und er hat sie genehmigt und mochte sie und nachdem er bestanden hat, haben wir wirklich den Boden des Tresors durchsucht, um zu versuchen, alles zu finden. Dann haben wir weitere Demos gefunden.“

„Confusion Wheel“, die erste offizielle Single von All The Rest, verkörpert Pettys gequältes und höchst konfessionelles Songwriting aus der Wildflowers-Ära. Petty singt: „So viel Verwirrung hat mich zerrissen/So viel Verwirrung hat mir Angst gemacht/Dass ich nicht weiß, wie man liebt/Ich weiß nicht, wie man vertraut/Und ich weiß nicht, warum das so ist.“ Dennoch hat Petty nicht die Hoffnung auf einen Neuanfang verloren, als er singt: „Eines Tages werden wir wegfahren/ wegfahren und ein brandneues Lied singen/ wir werden aufwachen und ein brandneues Lied singen.“

Adria ist sich bewusst, dass der Stoff ihrem Vater am Herzen lag, ist sich aber auch seiner Bedeutung für die Wildflowers-Erzählung bewusst. Im Telefongespräch mit GRAMMY.com sagt sie: „Wenn der ‚Wizard Of Oz‘ eine andere Rolle hätte oder wenn ‚Let It Be‘ ein anderes Album hätte, würdest du sagen: ‚Woah! Für mich ist das Wildflowers & All.‘ Der Rest ist, und deshalb ist es für uns so wichtig, es richtig zu machen, denn es ist ein kleines Juwel im Archiv.“

„Alle Beteiligten versuchen, ihren sechsten Sinn zu würdigen und zu erkennen, was er möchte, um das Erbe so weiterzuführen, wie er es hätte, wenn er noch hier wäre“, sagt Ulyate, der mehr als zehn Jahre lang eng mit Petty zusammengearbeitet hat . Er vermisst Petty schrecklich, merkt aber an, dass das Eintauchen in seine Musik seine Trauer etwas gemildert hat. „Ich glaube nicht, dass einer von uns jemals über den Verlust hinwegkommen wird, aber in gewisser Weise hat die Arbeit an der Musik es einfacher gemacht, weil er immer noch hier ist und immer noch aus meinen Lautsprechern kommt. Dieses Zeug zu finden und es herauszubringen, fühlt sich an.“ Als würden wir alle unseren Job machen, indem wir ihn und sein Vermächtnis ehren. Auf diese Weise tun wir das Richtige und werden seinem Vermächtnis gerecht, sodass wir ihn in gewisser Weise bei uns behalten, und dieser Teil davon gibt mir das Gefühl Gut."

Für Campbell, dessen Geschichte mit Petty 50 Jahre zurückreicht, war es jedoch schwierig, Pettys Archive zu durchsuchen. „Es war eine bittersüße Erfahrung, das Zeug durchzugehen und Tom nicht dabei zu haben, der es mit uns machen konnte“, sagt er. „Das Durchgehen der Songs brachte viel Freude und Kummer mit sich. Er wollte das Zeug aber unbedingt rausbringen, also haben wir sehr hart daran gearbeitet und das Beste von dem genommen, was herumlag. Es war, als ob er dort säße.“ mit uns und wir haben auf dieser Grundlage Entscheidungen getroffen.

Einige der Titel hatte ich fast völlig vergessen, bis ich sie hörte, und es war schön, diese gute Musik zu hören, die wir mit dem Publikum teilen konnten. Gleichzeitig trauere ich immer noch und es war irgendwie schwer, da zu sitzen und Toms Stimme in den Lautsprechern zu hören und er nicht da zu sein. Manchmal musste ich einfach für eine Weile den Raum verlassen, aber wir haben es geschafft.“

Adria sagt, als ihr Vater starb: „Es war so ein ewiger Urschrei des Unglaubens, dass er so plötzlich an uns starb.“ Sie sagt, dass es sich wie ein allgemeiner Verlust angefühlt habe und dass, während die Welt mit ihrer Familie trauerte, sie auch Pettys Erben viel Unterstützung gegeben hätten. Über ihre Trauer sagt sie drei Jahre später: „Ich habe das Gefühl, dass ich damit eine Kehrtwende mache, und mit der Zeit habe ich das Gefühl, dass die Dinge leichter werden. Aber niemand kommt jemals über den Tod seiner Eltern hinweg.“ ." Manchmal ist ihre Trauer jedoch überwältigend. „Es gibt Zeiten, in denen man diese Lieder einfach nicht hören möchte … wenn sie im Supermarkt auftauchen und man denkt: ‚Das ist eine Menge.‘“

Sie sagt jedoch, dass es erhebend sei, „Wildflowers“ zu hören. „Es bereitet mir große Freude, dieser besonderen Ära der Musik zuzuhören. Sie berührt meine Seele der Hit aus Dads Katalog, aber es ist ein bisschen mehr ein reines Erlebnis. Adria sagt, sie verliere sich in letzter Zeit in den Texten ihres Vaters und in der zielgerichteten Art und Weise, wie er jedes Wort auswählte und sich ständig selbst redigierte, was sich in Studionotizen, Notizblöcken und Notizbüchern widerspiegelte, in denen er ständig Liedtexte ausstrich und ersetzte.

Rick Rubin und Tom Petty Foto von Robert Sebree

Bekannt für seine hymnischen Lieder, Mit seinen witzigen Texten und seinem Mitgefühl für Außenseiter, gepaart mit seiner unheimlichen Fähigkeit, tiefe Weisheit und emotionale Tiefe in einer klaren und prägnanten Sprache zu vermitteln, war es ein Teil von Pettys künstlerischem Genie, wie täuschend einfach er sein durch und durch nachvollziehbares, aber ebenso episches Songwriting erscheinen ließ. In Wahrheit war er ein in Jeans gekleideter, unermüdlich arbeitender Dichter, der in den Rock and Roll Of Fame und die Songwriters Hall of Fame aufgenommen wurde.

Während die umfassenderen Ausgaben von „Wildflowers & All The Rest“ ein Genuss für Fans sind, dienen sie auch als Meisterkurs im Songwriting, wenn Sie die Entwicklung von Pettys Liedern hören. Einige Demos wurden vor der Aufnahme im Studio überarbeitet. Bevor er beispielsweise den Refrain für die fertige Studioversion von „Crawling Back To You“ änderte, sang Petty auf der Demo „coming back to you“ und „running back to you“. Andere Demos wurden komplett beiseite gelegt und Teile ihrer Texte in andere Songs übertragen. „There’s a Break in the Rain“ ist ein wunderschönes und herzliches Demo, das Petty nie weiterentwickelt hat. Stattdessen verwendete er den Text „in a Memory of a Dream“ in „You Don't Know How It Feels“, dem ersten Lied, das für Wildflowers aufgenommen wurde. Jahre später recycelte er seinen Refrain in „Have Love Will Travel“ auf The Last DJ (2002).

„Es war ihm wirklich wichtig, gute Songs zu schreiben und sie gut aufzuführen“, sagt Ulyate. „Er wollte immer besser werden und sein Handwerk verfeinern. Ihm ging es mehr darum, ein berühmter Typ zu sein“, sagt Ulyate, der sagt, dass Pettys Akribie allumfassend war. „Er beschäftigte sich mit allen Facetten des Songwritings. Der Song musste gut sein, die erste Zeile musste einen fesseln und der Song musste gut aufgebaut sein, und er interessierte sich für die Produktion und dafür, wie die Songs im Kontext eines Albums arrangiert wurden.“ war wichtig. Er wollte sicherstellen, dass er eine Geschichte erzählte.

Petty würde Songs auch nach der Aufnahme weiterhin hinterfragen und ändern. „Ich ging zum Mastering und sagte: ‚OK, wir werden das Album mastern und fertigstellen‘, und er rief mich zwei Tage vorher an und sagte: ‚Ich habe eine bessere Zeile für die dritte Strophe‘.“ " sagt Uljate. „Zum Glück hatten wir ein Arrangement, das es mir leicht machte, in seinem Studio vorbeizukommen, und wir hörten zu und ich sagte: ‚Mann, ich bin so froh, dass du mich angerufen hast. Das war so.‘ viel besser.' Er dachte immer darüber nach, wie man Dinge verbessern könnte.

Ulyate führt Pettys Songwriting-Fähigkeiten teilweise auf sein „enzyklopädisches Wissen“ über Musik zurück. „Wenn du ein guter Songwriter sein willst, musst du ein guter Song-Hörer sein“, sagt er. „Tom Petty war wahrscheinlich der beste Songhörer von allen, die ich kannte.“ Pettys umfangreiche und farbenfrohe Musikpalette reichte von der dunkelsten Musik, die Petty finden konnte, über den Blues bis hin zu seinen Helden Bob Dylan, den Byrds, den Beatles, Beach Boys und Elvis Presley.

Er lacht ungläubig, als er sich an Pettys Treffen mit dem Regisseur Thom Zimny ​​erinnert, der damals den Dokumentarfilm „Elvis Presley: The Searcher“ drehte. „Thom Zimny ​​stellte ein paar Fragen über Elvis und Tom Petty ging auf diese Sache ein, bei der er den Kerl in den nächsten 45 Minuten im Grunde nur über Elvis unterrichtete! Er wusste mehr über ihn und ich fragte: ‚Woher weißt du das?‘ viel über Elvis?!‘“

„Selbst wenn man ihm nie die Hand geschüttelt hat, kannte man ihn und es wird sich immer so anfühlen, als hätten wir einen Freund verloren, nicht nur den Bannerträger für großartiges Songwriting.“ – Cameron Crowe über den Verlust von Tom Petty

Tatsächlich wurde Petty, als er 11 Jahre alt war und in seiner Heimatstadt Gainesville, Florida, aufwuchs, von seinem Onkel zu Presley mitgenommen, der am Set eines Presley-Films arbeitete, der in der Nähe in Ocala, Florida, gedreht wurde. Petty erzählt die Presley-Anekdote im vierstündigen Dokumentarfilm Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin' Down A Dream (2007) des Oscar-nominierten Regisseurs, Drehbuchautors und Autors Peter Bogdanovich. „Elvis kam mir wie eine Vision vor. Er sah anders aus als alles, was ich jemals gesehen hatte, und ich bin einfach sprachlos … Ich bin als veränderter Mensch nach Hause gegangen“, sagte Petty damals. „Als ich am nächsten Tag auf die Straße ging, versuchte ich, ein paar Platten von Elvis Presley zu finden. Die Musik hypnotisierte mich einfach und ich spielte diese Platten so sehr, dass meine Eltern anfingen, sich Sorgen zu machen, dass mit mir etwas nicht stimmte.“

Am Telefon sagt Bogdanovich (The Last Picture Show, Mask), obwohl er und Petty beide stolz auf den Dokumentarfilm waren, der 2009 einen GRAMMY für das beste Musikvideo in Langform gewann: „Ich war begeistert. Welcher Regisseur bekommt einen GRAMMY?“ ?), ist es wegen Pettys frühem Tod für immer „von Traurigkeit geprägt“. Er sagt, als Petty 2017 zwischen den Tourdaten ein dreiwöchiges Zeitfenster hatte, diskutierten die beiden darüber, Material zu „Runnin‘ Down A Dream“ hinzuzufügen. „Wir haben darüber gesprochen, vielleicht 10 bis 15 Minuten hinzuzufügen, um die letzten 10 Jahre einzubeziehen, um es auf den neuesten Stand zu bringen. Wir haben uns nett darüber unterhalten und er war von der Idee begeistert, aber es hat nicht geklappt, weil er gestorben ist.“ "

Bogdanovich sagt, er habe das letzte Mal mit Petty gesprochen, nachdem er vor drei Jahren sein vorletztes Konzert im Hollywood Bowl besucht hatte, und Petty angerufen, um von seiner Leistung zu schwärmen. „Es ist tragisch. Ich vermisse ihn sehr. Ich habe den Kerl einfach geliebt“, sagt er. „Er war ein echter Künstler, dem die Kunst am Herzen lag und der großartige Lieder sang, in die er sein Herz und seine Seele steckte. Für ihn war das alles. Es ging nicht ums Geld. Es ging um die Arbeit.“

Pettys Engagement für seine Fans entsprach seinem Engagement für seine Kunst. Während der 40-Jahre-Jubiläumstournee äußerte Atkins gegenüber Petty seine Besorgnis darüber, dass er jede Nacht eine schwere Gitarre tragen würde, während er an einer gebrochenen Hüfte litt, die operiert werden musste. Er sagt, er habe die Idee vorgeschlagen, die Tour abzubrechen, um besser zu werden, und stattdessen im folgenden Jahr auf Tour zu gehen. Petty sagte: „Ich möchte die Tour nicht abbrechen, weil die Leute ihren Urlaub buchen, um mich zu besuchen, und es ist wichtig im Leben der Menschen und ich möchte sie nicht im Stich lassen.“

Im Jahr 1981 kämpfte Petty bekanntermaßen gegen sein Plattenlabel MCA, das den Preis seiner Platte „Hard Promises“ um einen Dollar erhöhen wollte. Er hielt das Album zurück, bis MCA nachgab und den Preis nicht erhöhte. Petty beschreibt seine Fan-Philosophie in der einstündigen MTV-Dokumentation „Heartbreakers Beach Party“ des Regisseurs und Oscar-prämierten Drehbuchautors Cameron Crowe aus dem Jahr 1983, die Crowes erste Regiearbeit war. Petty blickt direkt in die Kamera und sagt: „Auch auf die Gefahr hin, kitschig zu klingen, Sie müssen sich bei den Fans bedanken. Ich bin immer noch sehr ehrfürchtig. Ich werde anhalten und das Ding unterschreiben, weil es so wichtig ist. Ich denke, wenn du verlierst.“ Dass, wenn man dahin kommt, dass sie nur noch sie sind, dann ist alles weg.

„Tom hat sich immer wie ein Fan verhalten“, sagt Crowe (Jerry Maguire, Almost Famous) am Telefon zu GRAMMY.com. „In erster Linie war er meiner Meinung nach jemand, der seine musikbegeisterten Wurzeln in Florida nie vergaß und sein ganzes Leben lang ein begeisterter Musikliebhaber und -sammler blieb.“

Crowe sagt, Tom Petty und die Heartbreakers seien einer seiner liebsten Künstler gewesen, über die er als Rolling-Stone-Journalist geschrieben habe, und es sei „ein wahrgewordener Traum“ gewesen, für den er sich für immer geehrt fühlen werde, denn Heartbreakers Beach Party sei sein Regiedebüt gewesen. Tatsächlich hätte Crowe ohne Petty (und den ausführenden Produzenten Danny Bramson) viel länger gebraucht, um Regisseur zu werden, wenn es überhaupt dazu gekommen wäre. „Wir waren auf dem Weg zum Videodreh für ‚You Got Lucky‘ und er sagte: ‚Nimm eine Kamera und ich spiele dir ein Lied vor.‘ Ich sagte, ich sei kein Regisseur. Er sagte: „Filmen Sie mich einfach.“ Also tat ich es. Er spielte das Neuheitslied „I'm Stupid“ und als es fertig war, sagte er: „Weißt du was? Jetzt bist du Regisseur.“ Ich kann mir keinen besseren Menschen vorstellen, den man davon überzeugen könnte, ins kalte Wasser zu springen und eine neue Karriere zu beginnen.

Er sagt, Petty habe im Laufe der Jahre großzügig Musik zu Crowes Filmsoundtracks beigetragen, darunter einen exklusiven Mix von „It'll All Work Out“ für Elizabethtown. Er gab Crowe auch ein Eröffnungszitat, das er im ersten Trailer seiner TV-Show „Roadies“ verwenden konnte.

„Er war so bodenständig, wie es nur geht“, sagt Crowe. „Selbst wenn man ihm nie die Hand geschüttelt hat, kannte man ihn, und es wird sich immer so anfühlen, als hätten wir einen Freund verloren, nicht nur den Vorreiter für großartiges Songwriting, sondern auch eine Band, die in jede Richtung schwenken kann, um seine Songs zu liefern.“

Zu Ehren der einzigartigen Beziehung ihres Vaters zu seinen Fans Als Petty starb, stellten sowohl Adria als auch Annakim ihre privaten Social-Media-Einstellungen auf öffentlich um. „Seine Fans standen für ihn in seiner Karriere wirklich an erster Stelle“, sagt Adria. „Das ist ein großer Teil unserer Aufgabe und unserer Verantwortung, zu sagen: ‚Wir sind hier, um Sie weiterhin gut zu behandeln, die Dinge erschwinglich zu machen und Ihnen Zugang zu allen möglichen coolen Sachen zu verschaffen, die er zurückgelassen hat.‘“

Anfang dieses Monats, am dritten Jahrestag von Pettys Tod, veröffentlichte Adria ein Heimvideo, das beim letzten gemeinsamen Weihnachtsfest der Familie in Pettys Heimstudio gedreht wurde. Petty klimpert auf einer Akustikgitarre und singt „Crawling Back To You“ (einer von Pettys persönlichen Favoriten), während Cammie, eine von Adrias und Annakims jüngeren Cousins, Klavier spielt. In der Bildunterschrift schreibt Adria, dass Petty Cammie das Lied sofort spielen hörte , nahm er alle mit in sein Studio, um mitzusingen und sie zu ermutigen. Die Bildunterschrift endet mit: „Ich vermisse dich jeden Tag zu sehr, Papa.“ Am selben Tag veröffentlichte Annakim ein Selfie mit der Überschrift: „Das war ich einen Monat später.“ Mein Vater ist gestorben. Ich fühle mich dankbar, wieder lebendig zu sein.

Hunderte Petty-Fans reagierten auf die Posts der Schwestern. „Seine Musik hat vielen von uns das Gefühl gegeben, lebendig zu sein“, schrieb ein Fan, während ein anderer schrieb: „Ich liebe die Musik deines Vaters, seit ich 10 Jahre alt war. Ich bin jetzt 52. Ich hatte das Glück, ihn etwa 19 Mal im Konzert zu sehen.“ . Immer die besten und unvergesslichsten Shows. Jetzt zu weinen … tut immer noch so weh.“

Was die Möglichkeit einer zukünftigen Wildflowers & All The Rest-Tour angeht, wird Campbell, der anderthalb Jahre mit Fleetwood Mac auf Tour war und sich seitdem auf seine Band The Dirty Knobs konzentriert, bei dem Gedanken, ohne Petty weiterzumachen, emotional. „Ich werde Ihnen sagen, was ich davon halte“, sagt er. „Ich weiß nicht, wie viele Phasen der Trauer es gibt, aber ich bin wahrscheinlich immer noch in der vierten Phase oder was auch immer es ist. Ich fühle mich emotional nicht wohl dabei, alle Herzensbrecher in einem Raum zu haben und ‚eins, zwei, „3, 4“ und dort ohne Tom zu spielen. Es ist etwas zu schmerzhaft, aber ich bin nicht nur deshalb gegen die Idee, weil Tom das wirklich tun wollte. Ich würde der Idee gegenüber offen bleiben, wenn sich unsere Trauer gelegt hat, was zu tun Er hätte sich gewünscht, die Band vielleicht mit einigen Sängern wieder zusammenzubringen, die Lieder zu lernen und ihm zu Ehren die Wildflowers-Tournee zu machen.

Nach einer Pause sagt Campbell: „Ich brauche mehr Zeit. Es ist so ein großer Verlust. Er war 50 Jahre lang mein bester Freund. Ich werde wahrscheinlich nie ganz darüber hinwegkommen und es geht mir gut, wenn nicht etwas passiert, das Toms Energie nahekommt.“ und Seele, ich muss etwas stärker sein, um das zu meistern.“

In der Zwischenzeit sagt Adria, dass sie derzeit mit einem Regisseur über eine Wildflowers-Dokumentation verhandelt und dass es definitiv noch mehr Musik von Tom Petty geben wird. „Wir haben ein großes, wunderschönes Archiv“, sagt sie. „Wir lassen uns einfach Zeit damit und arbeiten vorerst an diesem, und dann setzen wir uns hin und überlegen, was als nächstes passieren soll.“

„Es ist schwer. Und es ist immer noch schwer“: The Heartbreakers-Keyboarder Benmont Tench über das Leben nach Tom Petty

Halbschall

Foto von Emmy Sherman

Nachricht

Der Power-Pop-Kopf hinter „Closing Time“ hat größtenteils gemeinsam mit GRAMMY-prämierten Größen geschrieben – bei „You're Not Alone“ ist er wieder Bandleader

Dem stets überzeugenden Dan Wilson mangelt es nicht an Ratschlägen für Musikerkollegen. Tatsächlich ist seine Instagram-Seite buchstäblich voll davon. „Wiederholung ist gut zum Üben, aber sie bietet auch einen fruchtbaren Boden für … Glück“, lautet eine Maxime im Stil eines Glückskekses. „Haben Sie Schwierigkeiten, eine Single aus Ihrem Stapel an Songs auszuwählen?“ fragt ein anderes Bild. „Ist dir einer davon wirklich unangenehm und peinlich? Das ist es. Der peinlichste Track = Hit.“

Wenn sich der 59-Jährige einen Ratschlag gäbe, könnte dieser etwa so lauten: „Hab keine Angst, Dan! Deine alte One-Hit-Wonder-Band wird die Songs lieben, die du herumgespielt hast!“ Denn als er sich an Semisonics Bassisten John Munson und Schlagzeuger Jacob Slichter wandte – mit denen er seit fast zwei Jahrzehnten keine Musik mehr veröffentlicht hatte – war er, wie er selbst zugab, ein nervöses Wrack. „Ich hatte Angst, sie den Jungs zu zeigen“, gibt Wilson gegenüber GRAMMY.com zu. „Aber ich war so aufgeregt.“

Diese Songs umfassen Semisonics neue EP You're Not Alone, die am 18. September über Pleasuresonic Recordings/Megaforce Records erscheint. Songs wie der Titelsong „All It would Take“ und „Don’t Make Up Your Mind“ passen perfekt zu ihrem GRAMMY-prämierten Hit „Closing Time“ aus dem Jahr 1998 – sowohl in ihrer Qualität als auch in der Zeitsprung-Ästhetik der 1990er Jahre. Wenn man bedenkt, dass Semisonic sich technisch gesehen nie getrennt hat und seitdem sie öffentlich verstummt sind, kontinuierlich zusammen gespielt haben, stellt sich die Frage, warum Wilson so lange gebraucht hat, um neue Semisonic-Jams zu schreiben?

Vereinfacht gesagt entwickelte sich der Singer-Songwriter zu einer ganz anderen Art von Künstler. In den Jahren seit Semisonics letztem Album „You're Not Alone“ aus dem Jahr 2001 war er Solokünstler und schrieb Top-Charts für GRAMMY-zentrierte Größen – The Chicks, John Legend, Adele. (Ersters schrieb zusammen mit Wilson „Not Ready to Make Nice“ und wurde 2006 zum Song des Jahres gekürt; Letzteres schrieb 2001 das Album 21, für das Wilson „Don't You Remember“ mitschrieb, „One and Only“ und „Someone Like You“ wurde im Jahr seiner Veröffentlichung zum Album des Jahres gekürt.)

Wilson kehrt als Power-Pop-Philosoph und Songwriter zu seiner alten Band zurück. Wenn Sie nur seine Hits kennen – oder seine beliebte Instagram-Serie „Words & Music in Six Seconds“ – ist es ein Vergnügen, seine Beobachtungen in langer Form aufzunehmen. GRAMMY.com hat Wilson wegen „You’re Not Alone“, seiner Abneigung gegen selbstgerechte Musik und warum er während des Lockdowns keine „Limonade aus Zitronen“ macht, angerufen.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet und gekürzt.

Sagen Sie mir, was Sie von Bandtreffen als Ganzes halten. Gibt es einen richtigen Grund für die Wiedervereinigung oder einen falschen?

Die Band will es noch einmal machen. Welchen anderen Grund könnte es geben? Die Band möchte mehr Musik machen. Das ist ein absolut guter Grund. Ich bin total begeistert. Was sind weitere mögliche Gründe? Ich werde mich einmischen. Muss die Band Zahlungen für medizinische Probleme leisten? Ich meine, das haben wir nicht, aber wenn jemand das hätte, wäre es meiner Meinung nach völlig legitim. Die Band will Geld, schätze ich? Was gibt es noch?

Ich denke, das ist es. Kreatives Bedürfnis, finanzielles Bedürfnis oder beides. So oder so kehrt man in seinen alten Job zurück.

Wissen Sie, für Semisonic wollte ich das schon seit Jahren machen. Wir haben jedes Jahr eine Show zusammengestellt, nur um zusammen zu sein, weil wir es lieben, zusammen zu sein. Der Haken war schon immer, dass es mir schon lange nicht mehr gelungen ist, Songs zu schreiben, die für die Band richtig klingen. Dies ist die erste Reihe von Songs, die ich für die Band geschrieben habe und die richtig klingen.

Ich hatte eher Gründe wie: Ich liebe diese Gruppe, ich liebe die Musik, die wir machen, ich liebe diese Songs, ich möchte sie spielen, ich spiele gerne live und mir fallen derzeit keine neuen Songs für die Band ein der Moment. Es war frustrierend.

Warum die mentale Blockade all die Jahre? Was hat es schwierig gemacht, Semisonic-Songs zu schreiben?

Nun, zunächst einmal habe ich mit Rick Rubin eine Soloaufnahme gemacht, „Free Life“ (2007), und ich habe eine Art Mentoring-Prozess mit ihm durchlaufen, der erstaunlich war. Ich habe so viel über das Aufnehmen von Platten gelernt und von Rick eine ganze Art ethischen und klanglichen Ansatz gelernt, der so großartig war.

Dann lernte ich auch, Lieder zu schreiben, damit andere Leute sie singen können, und ich schrieb Lieder für Jason Mraz [wie „Love is Still the Answer“ aus dem Jahr 2018), die Chicks, John Legend – unglaubliche Menschen! – in den ersten sechs oder acht Jahren, nachdem Semisonic aufgehört hatte zu touren. In gewisser Weise habe ich mich vorübergehend dazu erzogen, der Typ bei Semisonic zu sein. Es war so etwas wie eine musikalische Säure. Ich habe den Typen in der Band aus den Augen verloren.

Ich bin mir dessen heute bewusster als damals, daher war es damals eher so, als würde ich versuchen, ein paar Songs für Semisonic zu schreiben, und sie wären entweder nicht gut genug oder würden nicht so klingen die Band. Ich musste einfach den Weg zurück finden. Ich war nicht verzweifelt darüber. Ich dachte immer: „Es kommt wieder. Es wird alles gut.“

Und ich hatte so viele andere interessante Dinge zu tun – ich saß nicht herum und tat nichts, wissen Sie, was ich meine? Aber als ich schließlich ein paar Songs schrieb, die wie die Band klangen, hatte ich irgendwie Angst, sie den Jungs zu zeigen, aber ich war so aufgeregt.

Ich denke, der durchschnittliche Hörer würde diese EP als eine Reminiszenz an die 90er-Jahre empfinden, was durchaus Sinn macht – da habt ihr euch gegründet. Fühlen Sie sich wohl damit, in eine Schublade gesteckt zu werden? Lehnen Sie es ab?

[Langes Lachen] Das macht für mich vollkommen Sinn! Ich dachte überhaupt nicht „Lass uns einen Rückblick auf die 90er machen“, aber ich habe immer diese Manifeste im Kopf, die ich mache, wenn ich ein Projekt starte.

Eines der Manifeste lautete in diesem Fall: „Wir werden keine Energie darauf verwenden, unseren Sound zu erneuern, uns zu modernisieren oder zu aktualisieren. Wir werden einfach wie wir selbst spielen und wie wir selbst klingen und sehen, ob den Leuten das gefällt.“ Einfach Egoistisch gesehen kann ich auf Platten spielen, schreiben und manchmal auch produzieren, die ein fester Bestandteil der aktuellen Musikwelt sind. Ich spiele Gitarre beim neuesten Song von Leon Bridges [„Sweeter“] – darauf bin ich so stolz. Ich habe zusammen mit JoJo [„Sabotage“] einen neuen Song geschrieben, der gerade herausgekommen ist. Sie ist interessant, weil sie eine andere Person ist, die eine längere Karriere hinter sich hat. Kürzlich kam ein Song von mir heraus [„Six Feet Apart“] mit Alec Benjamin.

Ich brauche keine Bestätigung, ob ich ein aktueller Praktiker bin. In gewisser Weise kann ich egoistisch sagen, dass wir unseren Sound nicht aktualisieren müssen, aber ich dachte, es würde uns die ganze Frage aus den Augen verlieren und wir müssten uns darüber keine Sorgen machen. Ich fand es sehr nützlich, nicht zu denken: „Ist das dauerhaft genug? Ist es modern genug? Unterscheidet es sich genug von unserem vorherigen Ding?“ [Stattdessen] war es „Klingt das nach uns?“

Sie müssen sich keine Sorgen machen, zu retro zu sein, wenn Sie so viel im Jetzt tun.

Ich habe in diesem Bereich sehr wenig zu beweisen. Ich möchte wirklich großartige Musik machen und ich möchte wirklich, dass die Leute sie mögen, und ich möchte wirklich, dass sie auf eine Weise ankommt, die sich bei den Leuten wahr und ehrlich anfühlt. Aber es ist mir wirklich egal, ob jemand denkt, dass es sich wie eine Band aus den 90ern anhört, denn genau das sind wir.

In „You're Not Alone“ singen Sie: „Was wäre überhaupt der Sinn, wenn wir wüssten, was als nächstes kommt?“ Dies kann auf verschiedene Arten geschehen – existenziell, spirituell, politisch – was meiner Meinung nach die höchste Ehre ist, die einem Text zuteil werden kann.

Oh, das ist fantastisch! Ich liebe das. Mir gefiel es, als ich es schrieb. Aber es war buchstäblich eines dieser Dinge, die ich bei einem Drink sagen würde. Es ist nicht so, als wäre es ein großartiger Text gewesen. Es klingt wie eine typische Aussage von Dan. Ich freue mich, dass Ihnen die Zeile gefällt, und es ist einfach etwas, was ich als Mensch und nicht als Songschreiber sagen würde. Ich rede nur.

Ich mag auch diese Zeile in „All It would Take“: „Changing the world inside me and around me.“ Glauben Sie, dass wir unsere Häuser in Ordnung bringen müssen, bevor wir versuchen, die anderer zu putzen?

Es gibt keine Möglichkeit, das Haus eines anderen zu putzen. Du kannst es nur selbst machen. Veränderung, Wachstum und Lernen sind für mich meine Wahl. Ich kann nicht sagen: „Du musst eine Menge Dinge lernen.“ Das kann ich niemand anderem sagen.

Das sagt jeder in den sozialen Medien zu jemand anderem.

[Noch ein langes Lachen] Nun ja, soziale Medien sind absolut nicht real! Erstens ist es nicht sinnvoll, die eigene Zeit zu nutzen, um jemand anderem beizubringen, wie man sein Leben lebt. Du wirst scheitern und hast gerade diesen Teil deines eigenen Lebens verschwendet.

Die Welt in mir verändern – da muss alles beginnen. Die Menschen, die ich auf der Welt am meisten inspirierend finde, sind diejenigen, die unglaubliche innere Veränderungen, Lernen und Wachstum durchgemacht haben. Es weckt in mir einfach den Wunsch, besser zu werden.

Was den modernen Aktivismus betrifft, fürchte ich, dass einige junge Menschen die interne Arbeit noch nicht getan haben, bevor sie sich an die externe Arbeit wagen.

Ich möchte nicht dieser Typ sein, aber diese Arbeit kann in beliebiger Reihenfolge erfolgen. Was auch immer vor Ihrer Nase liegt, Sie müssen es tun. Ich sage Folgendes: Ich habe das Gefühl, dass „All It would take“ dem Schreiben eines predigenden Liedes so nahe kommt, wie ich es jemals ertragen könnte. Weil ich predigende Lieder wirklich nicht mag. Wahrscheinlich mag ich auch keine predigenden Leute – die denken, sie seien besser und müssten alle anderen in Ordnung bringen.

Ich möchte auf keinen Fall ein Lied hören, das besagt, dass er es besser weiß als ich und dass ich ein oder zwei Dinge lernen muss. Aber dieses Lied fängt das Gefühl ein, wenn ich Menschen begegnet bin, die zutiefst inspirierend sind und scheinbar Dinge gelernt haben, die ich selbst unbedingt lernen möchte. Vielleicht ist das der Schlüssel dazu, dass sich dieses Lied wahr und echt anfühlt – denn es geht darum, wie ich mich in meinem Leben schon oft gefühlt habe.

Ich habe es geschrieben, nachdem ich den Film über Malala gesehen hatte [Yousafzai, He Named Me Malala 2015]. Der Kämpfer für Mädchenbildung und Frauenrechte.

Sie ist unglaublich. Und sie enthält kein Funken moralischer Überlegenheit.

Vollständig. Ich stimme zu 100 % zu.

Nennen Sie mir ein berühmtes Lied, das Ihrer Meinung nach auf ungebührliche Weise predigt.

[Noch ein langes Lachen] Oh mein Gott! Vor langer Zeit hatte ich ein Gespräch mit dem Maler Frank Stella. Ich war bei einem Q&A. Ich fragte ihn, warum es in den Museen so viel schlechte Kunst gäbe. Er sagte: „Es ist nicht Ihre Aufgabe, über schlechte Kunst nachzudenken. Sie müssen rausgehen und Kunst finden, die Sie lieben, und daraus lernen.“

Mir fällt also im wahrsten Sinne des Wortes kein Lied ein, das zu predigerisch für meinen Geschmack wäre, aber mir fallen Lieder ein, die unglaublich inspirierend sind. Wie „Eine Veränderung wird kommen.“ Sam Cooke ist unglaublich inspirierend und moralisch unglaublich bewundernswert und klangvoll, und es fühlt sich überhaupt nicht predigend an. Es ist überhaupt nicht predigend. Es ist verletzlich, real und inspirierend.

Wie wäre es mit John Prines „Hello in There“? Kein Urteil in diesem Lied. Es ist wunderbar unvoreingenommen.

Noch eine Zeile aus „Basement Tapes“, die mir gefiel: „Immer noch den Traum eines großen Stars live miteinander leben.“ Was die Semisonic-Geschichte mit einer meiner Lieblingsbands verbindet.

Wir stehen auf der Bühne, wir sind Freunde, wir sind Brüder, wir leben diesen Traum – und dann sagen wir: „Wir machen es live!“ ist so albern und lustig.

Ich kenne Jody [Stephens], den Schlagzeuger von Big Star. Wir haben viel rumgehangen. Ich habe das Gefühl, dass er einer meiner Musikhelden ist, der vor meinen Augen zum Leben erweckt wird, was so unglaublich ist. Ich habe diese Band erwähnt, weil sie eine ganze Weile meine Lieblingsgruppe waren. Ich versuche immer noch, diesen Big Star-Traum zu leben, und es ist lustig, dass ich es tue.

Was bedeutet Big Star für Sie? Für mich geht es um Resilienz und schönes Scheitern.

Für mich sind sie die größte Band der Geschichte. Ich habe eine etwas verdrehte Vorstellung von ihnen, als wüsste jeder, dass sie die Besten sind. Wann, nein, das weiß nicht jeder. Es gibt definitiv Dinge an dieser Band, die nicht funktioniert haben. Aber die Dinge an dieser Band, die funktioniert haben – das ist alles, was ich daran erkennen kann. Meine Sicht auf Big Star ist ziemlich kurzsichtig. Ich bin so nah dran.

Im Moment überfliege ich jedes Lied von Big Star in meinem Kopf und mir fällt kein schlechtes ein.

Nein, einverstanden! Ich meine nur – ich habe dieses Buch über eine andere Band gelesen, die ich sehr bewundere, Crowded House. Das ganze Thema des Buches war, dass sie so groß wie die Beatles hätten sein sollen, aber etwas ging schief.

Ich habe immer das Gefühl, dass das eine schreckliche Belastung für eine Band ist: Ihr seid nicht so groß geworden wie die Beatles und deshalb gescheitert. Das ist so ein Witz. Niemand wird so groß sein wie die Beatles. Das bedeutet, dass jeder Künstler ein Versager ist, was albern ist.

Immer wenn ich mit Leuten über Big Star rede, sagen sie: „Schade, dass nicht noch mehr Leute davon gehört haben.“ In meinem Kopf kann ich nur denken: „Sie sind die Besten. Sie sind so gut!“

Wie ist der Stand Ihres Songwritings während COVID-19? Befinden Sie sich eher in einem Wachstumsschub oder in einer Warteschleife?

Nun, ich habe die ganze Zeit Songs geschrieben – mit Freunden und Kollegen auf Zoom und auch alleine. Zu Beginn des Lockdowns dachte ich kurz: Nun, das ist eine Gelegenheit für mich, richtig Gas zu geben, viele Songs zu schreiben und sehr, sehr intensiv und produktiv zu sein.“

Doch dann habe ich schnell gespürt, wie anstrengend der Lockdown ist. Ich habe den Gedanken, produktiv zu sein oder aus Zitronen Limonade zu machen, wirklich aufgegeben. Ich bin zu meiner gewohnten Sache zurückgekehrt: Musik zu machen, weil sie mir Spaß macht und sie sich für mich bedeutungsvoll anfühlt. Ich habe jedes Gefühl losgelassen, dass dies eine goldene Gelegenheit oder eine schreckliche Last ist, und mache nur noch Musik.

Manche Menschen neigen dazu, voranzuschreiten, während die Welt innehält.

Ja, ich denke, viele Leute haben das Gefühl: „Wenn wir das richtig machen, werden wir mit einem Imperium daraus hervorgehen.“ Was ich für Wahnsinn halte. Die Person, die aufgrund einer Pandemie eingesperrt ist und mit der Gefahr, der existenziellen Angst davor und den erschütternden Veränderungen umgehen und sie wirklich als Geschäftsmöglichkeit betrachten kann, ist verrückt.

Dies als eine goldene Gans zu betrachten, deren Eier sofort eingesammelt werden müssen, ist ein eigenartiger amerikanischer kapitalistischer Wahnsinn.

Was glauben Sie, was die Welt an Semisonic nicht versteht, was Sie korrigieren möchten, während You're Not Alone unterwegs ist?

[Lange Pause] Normalerweise bin ich nicht scherzhaft und mir sind gerade eine ganze Reihe scherzhafter Bemerkungen in den Sinn gekommen. Das ist so seltsam. Ich habe überhaupt nicht das Bedürfnis, die Wahrnehmung von Semisonic durch irgendjemanden zu korrigieren. Vielleicht möchte mein Ego, dass mehr Leute denken, dass die Band großartig ist, aber im Grunde ist das so: „Ich hätte gerne noch einen Nachtisch, bitte. Kann ich noch mehr Nachtisch haben?“

Ich habe ein Trio und ich liebe die beiden anderen Mitglieder des Trios. Und sie lieben mich. Wir sind Freunde, egal ob wir zusammen Musik machen oder nicht. Wir sind zusammen um die Welt gereist und haben Erfahrungen gemacht, die John „verrückt“ nennt, denen ich zustimmen würde.

Eine unserer Singles wird im Radio gespielt, 20 Jahre nachdem eine unserer anderen Singles zu einem beständigen, immergrünen kulturellen Prüfstein, einer Pointe, einem Ziel für Musiker auf der ganzen Welt geworden ist – was zum Teufel brauche ich mehr als das?

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Kesha

Foto: Kevin Winter/Getty Images

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Das Online-Spektakel am 26. Juni feiert die Jahrestage der historischen Stonewall-Unruhen von 1969 sowie das Urteil des Obersten Gerichtshofs im Fall Obergefell gegen Hodges aus dem Jahr 2015 zur Gleichstellung der Ehe

Eine hochkarätig besetzte Gruppe von Künstlern und Aktivisten der LGBTQ+-Community wird an der besonderen Streaming-Veranstaltung „Stonewall Day“ von Pride Live teilnehmen. Das Line-up umfasst Auftritte vonKeshaUndHayley KiyokoDazu kommen Auftritte großer Namen aus den Bereichen Musik, Mode, Unterhaltung und Politik, u.aTaylor Swift,Demi Lovato,Cynthia Erivo,Katy Perry, Christian Siriano, George Takei, Donatella Versace, Chelsea Clinton und mehr.

Darüber hinaus, PräsidentBarack Obamawird während der Livestream-Veranstaltung auftreten und eine besondere Unterstützungsbotschaft überbringen, die von Trans-Anwältin und Model Geena Rocero moderiert wird.

„Als Transfrau und Einwanderin, die auf den Philippinen geboren und aufgewachsen ist, ist es eine Ehre, eine Pride-Veranstaltung mit so weltbekannten Talenten auszurichten“, sagte RoceroMenschen . „Durch die Zusammenarbeit mit Pride Live werden wir sicherstellen, dass der Stonewall Day und seine Botschaften der Gemeinschaft und Widerstandsfähigkeit LGBTQ-Menschen auf der ganzen Welt erreichen, insbesondere LGBTQ-Menschen mit dunkler Hautfarbe.“

Demnach wurden fast alle persönlichen Pride-Veranstaltungen während des Pride-Monats abgesagtRollender Stein . Die Online-Feierlichkeiten feiern den Jahrestag der historischen Stonewall-Unruhen von 1969 sowie den fünfjährigen Jahrestag des entscheidenden Urteils des Obersten Gerichtshofs im Fall Obergefell v. Hodges zur Gleichstellung der Ehe. Der Erlös der Veranstaltung kommt der Unterstützung von LGBTQ+-Organisationen zugute, die von COVID-19 betroffen sind.

„COVID-19 und die jüngsten Ereignisse, die die Notwendigkeit einer fairen und gleichen Behandlung aller Menschen auf nationaler und globaler Ebene ins Rampenlicht gerückt haben, haben so viele Menschen auf der ganzen Welt getroffen, und die LGBTQ+-Community war nicht immun“, sagte Dr. Yvette C . Burton, der Präsident des Vorstands von Pride Live, sagte in einemStellungnahme . „Dies hat dazu geführt, dass lebenswichtige und lebensrettende LGBTQ+-Organisationen ihre Budgets und Programme erheblich ändern mussten“, fuhr Dr. Burton fort. „Wir hoffen, dass der Stonewall Day unseren Begünstigten dabei helfen kann, ihre Arbeit und ihren Dienst für die Gemeinschaft fortzusetzen.“

Stonewall Day wird am Freitag, 26. Juni, von 12:45 bis 15:00 Uhr EDT auf Logo's ausgestrahltFacebookUndYoutubeSeiten.

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