Die Grammys

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Liste

Von Dua Lipa bis Joe Budden haben einige der größten Namen der Musikbranche den Eintrag „Podcast-Moderator“ in ihre beeindruckenden Lebensläufe aufgenommen. Schnappen Sie sich Ihre Kopfhörer und hören Sie sich neun der aufschlussreichsten und kreativsten Shows unter der Leitung von Künstlern an.

Da Podcasts bei Hörern immer beliebter werden, sind sie auch zu einer bevorzugten Spielwiese für Musikschaffende geworden, auf der sie sich ausdrücken können – und im Gegenzug eine neue Seite ihrer Kunst zeigen können.

Ob stundenlange Interviews mit freundlicher Genehmigung des Early Adopters Questlove, lockere Gespräche mit musikalischer Begleitung von Norah Jones oder eine wichtige Geschichtsstunde von Sam Smith – Podcasts ermöglichen es Künstlern, stärker mit ihren Fans in Kontakt zu treten. Und obwohl es bereits eine unterschiedliche Auswahl an von Musikern geleiteten Shows gibt, scheint dies erst der Anfang einer neuen Podcast-Welle zu sein.

Nachfolgend lernen Sie neun der interessantesten von Künstlern gehosteten Podcasts kennen, die es gibt.

„Norah Jones Playing Along“ ist eine relativ neue Ergänzung im Podcast-Bereich und genau das, wonach es sich anhört. Moderiert von der Sängerin „Come Away With Me“, zeigt Jones, wie sie mit einem Kader ihrer Musikerfreunde und -kollegen am Klavier spielt. Die Gästeliste der Show ist ähnlich vielfältig. Zu den jüngsten Episoden gehörten unvergessliche Gespräche mit dem Indie-Folk-Künstler Andrew Bird, dem Country-Singer-Songwriter Lukas Nelson und dem Jazz-Virtuosen Robert Glasper, die die Zuschauer allesamt auf eine musikalische Reise durch ihre Kataloge und darüber hinaus mitnahmen.

Der legendäre Musikproduzent Rick Rubin, bekannt als der weise Weise der Musik, zeigt seine Zen-Energie und seine unstillbare Leidenschaft für Musik in diesem informativen Podcast, den er zusammen mit dem Journalisten-Autor Malcolm Gladwell, dem Redakteur der New York Times Bruce Headlam und dem Produzenten Justin Richmond moderiert. Ähnlich wie Rubins Liste der Kollaborateure – die von allen reicht, darunter Johnny Cash, Adele und Rage Against the Machine – wechselt die Show im Zickzack zwischen aufschlussreichen Interviews mit einer Reihe der erfolgreichsten Namen der Musikbranche, darunter Giles Martin, Feist, Usher und The Edge , Aaron Dessner und Babyface.

Neben ihrer mit einem GRAMMY ausgezeichneten Musikkarriere hat die Pop-Ikone Dua Lipa eine sprudelnde unternehmerische Ader in Form von Service 95, einer plattformübergreifenden Lifestyle-Marke, die einen Newsletter und Sonderveranstaltungen umfasst. Es produziert auch den beliebten Podcast „At Your Service“, in dem Lipa eine Vielzahl von Persönlichkeiten interviewt, darunter Musiker (die Mitarbeiter Charli XCX und Elton John), Kulturgrößen (Dita Von Teese) und Aktivisten (Brandon Wolf), um entspannte Gespräche über ihre jeweiligen Karrieren zu führen .

Neben seinen Rollen als Gründungsmitglied der Roots, Bandleader bei „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“, produktiver Filmemacher und Bestsellerautor fügt Questlove mit Questlove Supreme einen Podcast-Moderator zu seinem reichen kulturellen Spektrum hinzu. Die Show ist stolz auf lockere, intime und tiefgründige Gespräche mit dem Who-is-Who der Musikgrößen, sei es ein mehrstündiger, emotionaler Chat mit Mariah Carey, ein aufschlussreiches Gespräch mit der Trompetenlegende Herb Alpert oder Ikonen wie dem verstorbenen Wayne Shorter an Bruce Springsteen und Manager Shep Gordon.

Die britische Sängerin Jessie Ware arbeitet mit ihrer Mutter Lennie in diesem spritzigen Podcast zusammen, in dem die „Free Yourself“-Sängerin ein köstliches hausgemachtes Essen zu sich nimmt und dabei ein ebenso leckeres Gespräch führt. Ob die beiden rosa Lachs mit Pink, Auberginenkuchen mit Shania Twain oder Spinatkuchen und Florentiner mit Kim Petras essen, alles sorgt für eine äußerst hörbare (und hungrige) Variante des Mediums.

Anfang des Jahres startete Red Hot Chili Peppers-Gitarrist Flea die Interviewreihe This Little Light, die sich auf die Bedeutung der Musikausbildung konzentriert. Kurz darauf konnte sich der Podcast bereits mit prominenten Gästen rühmen, darunter Cynthia Erivo, Patti Smith und Margo Price. „Ich wollte This Little Light machen, um meiner Musikschule, dem Silverlake Conservatory of Music, zu helfen“, sagte er in einer Erklärung bei der Veröffentlichung. „Die Idee dahinter ist Musikunterricht, sich in Musik zu verlieben und sich auf eine musikalische Reise für sein Leben zu begeben. Jeder Weg ist so anders und es ist faszinierend zu erfahren, wie jeder Musiker zur Musik kam und sein Studium im Laufe der Zeit weiterentwickelte.“ "

Der fünfmalige GRAMMY-Gewinner Sam Smith moderiert eine berührende und informative Geschichte der AIDS-Krise aus britischer Sicht – von den frühesten, herzzerreißenden Tagen der Krankheit bis hin zu modernen Geschichten, einschließlich des Todes von Terry Higgins (einem der in der Region lebenden Menschen). (früheste Todesfälle) sowie bahnbrechende Behandlungen. Der sorgfältig recherchierte und im dokumentarischen Stil erzählte BBC-Podcast ist zu gleichen Teilen inspirierend und herzzerreißend – zeigt aber vor allem, dass Künstler effektiv Geschichten erzählen können, die über den Bereich der Musik hinausgehen, und gleichzeitig das Bewusstsein dafür schärfen.

Anders als alle anderen Podcasts auf dieser Liste weichen Dance Music King und David Guetta vom Interviewformat ab und lassen die Musik sprechen. Guetta moderiert diesen wöchentlichen einstündigen Podcast, der gleichzeitig als Playlist dient und eine Auswahl von Songs enthält, die Guetta selbst handverlesen hat. Die Show beginnt normalerweise mit einem Remix von Guetta selbst (er präsentierte kürzlich seine Interpretation von Kim Petras und Sam Smiths GRAMMY-prämiertem Hit „Unholy“) und erforscht dann eine Vielzahl elektronischer Tracks von einer unterschiedlichen Liste von Künstlern, darunter auch Tracks aus dem Dance-Bereich Musikliebhaber Olivier Giacomotto, Idris Elba und Robin Shulz.

Acht Jahre nach seiner Veröffentlichung ist der Joe Budden Podcast immer noch erfolgreich. Der gleichnamige Rapper und seine Freunde sprechen als Moderatoren über Hip-Hop-Themen und ihr eigenes Leben. Die aktuellen Themen konzentrieren sich auf alles von Chers Liebesleben bis zur Met Gala . Jede Episode – die sich regelmäßig um die Drei-Stunden-Marke bewegt – ist für Budden und seine Freunde wie eine Fliege an der Wand. Natürlich gibt es unterwegs Promi-Interviews und schlagzeilenträchtige Chats mit Größen wie Akon und NORE

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„Junge, geh auf die Knie, denn ich bin Madonna“, singt Madge auf „Vulgar“, ihrem neuen gemeinsamen Track mit Sam Smith.

Frisch nach „Unholy“, ihrer wunderbar schmutzigen Zusammenarbeit mit der kürzlich erstmaligen – und Geschichte schreibenden – GRAMMY-Gewinnerin Kim Petras, ist der fünffache GRAMMY-Gewinner Sam Smith zurück – jetzt mit einer gewissen siebenfachen GRAMMY-Gewinnerin der 80er-Jahre-Ikone neben ihnen.

Das ist richtig: Sam Smith hat sich mit Madonna – die sich suggestiv als solche ankündigt – für „Vulgar“ zusammengetan, einen verführerischen, elektronischen Knaller, der heute erscheint.

Der neu veröffentlichte gemeinsame Track lässt sich auf die GRAMMYs 2023 zurückführen, als Madonna – mit einer feurigen, herzlichen Rede – Smith und Petras vor ihrem provokanten Auftritt von „Unholy“ auf der GRAMMY-Bühne vorstellte. (Letzteres Paar gewann am selben Abend einen GRAMMY für das beste Pop-Duo/die beste Gruppenperformance für „Unholy“ und war damit der erste nicht-binäre und transgender Künstler, der diese GRAMMY-Kategorie gewann.) Unmittelbar danach erhielt Smith seinen fünften GRAMMY Award Hand nahm „Vulgar“ mit Madonna in einem Studio in Los Angeles auf.

Smith – der „Vulgar“ selbst zusammen mit ILYA für MXM Productions, Cirkut, Omer Fedi, Ryan Tedder, Jimmy Napes und Madonnas Gesangsproduzentin und Toningenieurin Lauren D'elia co-produzierte – veröffentlichte „Gloria“ zuletzt im Januar 2023.

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Foto: Vincent Haycock

Interview

Die Pop-Hitmacherin blickt zurück auf die Singles und Deep Cuts, die einige der lustigsten Erinnerungen und persönliches Wachstum hervorbrachten – und wie das alles zu ihrem fünften Studioalbum „Gag Order“ führte.

Beim Anhören von Keshas neuem Album „Gag Order“ wird eines sofort klar: Sie ist nicht mehr das gleiche Mädchen, das die Welt 2009 kennengelernt hat.

Während „Gag Order“ weniger optimistisch ist als Keshas vorherige Alben, ist es das introspektivste und verletzlichste, was sie als Songwriterin je erlebt hat. Aber alles macht Sinn; Dies ist ein Mädchen, das sehr öffentliche Traumata und gesundheitliche Probleme durchgemacht hat, das endlich den Durchbruch geschafft hat und auf der anderen Seite Hoffnung gefunden hat. Trotzdem hat sie das Mädchen nicht aus den Augen verloren, das sich einst mit einer Flasche Jack die Zähne geputzt hat.

„Ich kenne drei Alben in der Geschichte meines Lebens, in die ich jede Faser meines Lebens gesteckt habe – Animal, Rainbow und jetzt Gag Order“, erzählt Kesha GRAMMY.com. „Ich bin unglaublich stolz darauf, was [Gag Order] ist und wer ich dadurch geworden bin.“

Sie bezeichnet Gag Order als einen „emotionalen Exorzismus“, was eine unbestreitbar zutreffende Beschreibung der dunklen, aber dennoch kathartischen Erzählung des Albums ist. Es fühlt sich an wie die Erlösung, die Kesha seit „Rainbow“ (2017) angestrebt hat und die ältere, weisere Schwester der schrulligen Figur in „Animal“ (2010) ist. Und obwohl „Gag Order“ vielleicht anders klingt, ist Kesha fest davon überzeugt, dass jede Phase ihrer Karriere dazu beigetragen hat, sie an diesen Punkt zu bringen – auch wenn es eine „emotionale Achterbahnfahrt“ war.

Um die Veröffentlichung von Gag Order zu feiern, blickte Kesha auf ihre gesamte Diskographie zurück und wählte 10 Songs aus, die für ihre Geschichte am wichtigsten sind – egal, ob es sich um lustige Momente, Karrierehöhepunkte, einen besonderen Entstehungsprozess oder einen Lieblingsmoment auf der Bühne handelte. Lesen Sie unten die Auswahl des Sängers und erfahren Sie, warum Lieder wie „Blow“, „Praying“ und „Happy“ für das Gefüge von Kesha von entscheidender Bedeutung sind.

Ich war auf einer langen Flugreise von LA nach London. Es war das erste Mal, dass ich das Upgrade in die Business Class bekam, und ich erinnere mich, dass ich dachte: „Oh mein Gott, heißt das, dass ich es geschafft habe?“

Direkt hinter mir waren diese beiden Kinder, und sie waren die ganze Fahrt über so nervig – etwa 13 Stunden lang, mit Schreien und Singen. Und ich erinnere mich, wie ich mich an die Person neben mir wandte, die damals mein Manager war, und ich sagte: „Oh mein Gott, diese Kinder sind so …“ und dann fingen sie an, „Tik Tok“ zu singen, und ich tat es Wie süß."

Ich habe gerade angefangen zu lachen. Und ich dachte bei mir: Nun ja, ich höre gerade zwei Fünfjährigen zu, die darüber singen, wie sie sich mit einer Flasche Jack die Zähne putzen, also liebe ich sie jetzt.

Von einem Auftritt in einem Club in L.A. namens „The Echo“ stieg ich auf etwa 20 Leute an, und „Tik Tok“ kam heraus, und mein nächster Auftritt war Lollapalooza, und auf der Bühne war ein Meer von Leuten. Und ich war wirklich verwirrt. Ich dachte, sie wären vielleicht auf der falschen Bühne aufgetaucht. Und als ich dann anfing zu spielen, sangen mir alle „Tik Tok“ vor und es war so überwältigend aufregend. Das war ein weiterer Moment, in dem ich dachte: „Oh, das wird die Richtung meines jetzigen Lebens verändern.“

Und dann haben „Die Simpsons“ das Intro zu [der Serie] überarbeitet, aber mit „Tik Tok“ – und ich glaube, das hatten sie zu diesem Zeitpunkt noch nie zuvor gemacht. Ich bin mir nicht sicher, ob sie es noch einmal getan haben. Aber ich weiß noch, dass ich dachte: „Ich glaube, ich habe etwas getan, das den Zeitgeist auf eine bestimmte Art und Weise trifft, mit der ich nicht gerechnet hatte.“

Es ist so ein lustiger Song und ich erinnere mich, dass ich mit James Van Der Beek das Video dazu gemacht habe. Und es war so eine lustige Erinnerung, denn in der ursprünglichen Idee für das Video sollten wir uns küssen, aber stattdessen entschieden wir beide, dass es unendlich seltsamer wäre, zum Beispiel Käse zu essen.

Es war Zufall und er ist der netteste Kerl der Welt. Offensichtlich unglaublich talentiert, aber so nett und so cool. Es war eine wundervolle Erfahrung, mit ihm zusammenzuarbeiten, weil er wirklich dabei war, es so seltsam zu machen, wie wir es finden. Ich war wirklich zufrieden damit, wie seltsam das Video geworden ist.

Dieses Lied live zu spielen ist eines meiner Lieblingserlebnisse, denn es ist der Teil meiner Live-Show, bei dem ich die Welt mit Glitzer überschütten kann. Ich habe immer meinen bewährten Glitzerrucksack dabei, den ich seit 2008 habe. Ich hatte einen speziell angefertigten Glitzerrucksack, der für die Leute, mit denen ich auf Tour war, der Fluch ihrer Existenz war, weil er ständig explodierte. Jeder hatte überall Glitzer, bis zu dem Punkt, an dem er sich aufregte. Sie sagten: „Ich habe das verdammte Glitzern in meinem Bauchnabel gefunden!“ und ich sagte: „Ich weiß nicht, was ich dir dazu sagen soll, es tut mir wirklich leid.“

Ich war einfach so zufrieden mit meinem Stiftspiel. Außerdem habe ich das mit meiner Mutter geschrieben, also war es wirklich lustig, mit deiner Mutter dieses düstere, verrückte Lied über das Essen von Menschen zu schreiben. Ich komme von ihr, also ist sie genauso verrückt wie ich. Das fasst unsere Beziehung zusammen.

Wenn ich es live spiele, habe ich meinen Tänzern ein S&M-Knick-Kreuz angeschnallt, ihnen das Herz herausgerissen und dann mein Gesicht mit Kunstblut bedeckt – so, als würde ich mich der kannibalischen Routine hingeben, eines von meinen zu essen Tänzer. Meine Lieblingsmomente in jeder Show, die ich jemals gespielt habe, sind der Glitzerangriff und die Kannibalismus-Routine.

Es war wirklich cool zu sehen, wie die Leute auf TikTok sich wieder mit diesem Lied identifizieren. Ich habe das Gefühl, dass es diesen großen Aufschwung wie vor ein oder zwei Jahren gab, als alle daran arbeiteten. Ich schätze immer die „Kannibalen“-Liebe.

Als ich mein altes Haus betrat, verspürte ich den überwältigenden Drang, zur Gitarre zu greifen. Ich saß auf meinem Bett und schrieb das Lied ganz schnell alleine. Dieses Lied war etwas ganz Besonderes für mich. Ich wusste, dass ich wollte, dass es das Album eröffnet.

Das Rainbow-Album war der Zeitpunkt, an dem ich den Schritt vollzog, in Richtung Stärke und Kraft zu wechseln. Ich liebe es, wenn dieser Umschwung beim Erstellen eines Albums passiert, denn normalerweise gibt es Selbstreflexion, ein bisschen Selbstzweifel, Selbstmitleid, Traurigkeit, und dann kommt der Moment, in dem man sich in die „Fick-dich-Territorium“-Situation verwandelt, wenn es richtig ernst wird Gut.

Ich bin wie jeder Mensch. Ich lese nicht gerne negative Dinge über mich. Aber irgendwann verwandelt es sich von Selbstverprügelungen und Selbsthass in diesen Selbstverstoß gegen das, was ich bin. Und wenn du mich nicht magst, dann f-du. Alle meine Hasser sollten wissen, dass sie einige meiner besten Songs befeuern.

Wenn ich diesen Song live spiele, liebe ich es, wenn alle meine Fans ihre Telefone anzünden und mit mir singen. Denn es fühlt sich an wie eine Hymne der Existenz und des Stolzes darauf, wer man ist, und nicht nur darauf, zu überleben, sondern zu feiern, wer man ist, und nicht zuzulassen, dass die Meinungen anderer die Oberhand über einen gewinnen. Ich liebe es wirklich, es zu spielen, weil es wie ein Ozean aus Lichtern ist und man das Gefühl hat, in diesem Ozean der Liebe zu schwimmen.

„Beten“ ist unbeschreiblich einer der Höhepunkte meiner Karriere. Das war so ein herausforderndes Lied, und es ist das beredteste, anmutigste und schönste Lied, das ich je gehört habe. Da sind so viele Emotionen drin, aber die Seele dieses Liedes ist, dass ich genau weiß, wer ich bin und wofür ich stehe.

Ich werde diesem Lied für immer und ewig dankbar sein. Ich habe das Gefühl, dass das eine kosmische Interpretation aus dem Universum war, die mir und den Co-Autoren dieses Liedes geschenkt wurde. Es war einfach die perfekte Kombination für meiner Meinung nach das beste und anmutigste F-You-Lied, das es je gab. Und ich bin kein größenwahnsinniger Narzisst, aber ich habe das Gefühl, etwas Abstand dazu zu haben, das kann ich jetzt wirklich sehen.

„Beten“ hat für mich neue Maßstäbe gesetzt. „Praying“ wurde zu dem Lied, das ich jedes Mal zu schlagen versuche, wenn ich ein Lied schreibe, weil ich von dem, was ich und die anderen Autoren gemacht haben, so beeindruckt war.

Da wir aus einer Musikfamilie stammen, ist das wie unsere Abstammung. Und als Songwriter habe ich das Gefühl, dass ich meine Vorfahren mit bestimmten Momenten meiner Karriere stolz machen kann. Und „Beten“ gehörte definitiv dazu.

Das Lied hat so viel Spaß gemacht. Das war eine Art Wiedergewinnung meiner Freude in einer Zeit, in der ich nicht das Gefühl hatte, berechtigt zu sein, Freude zu haben. Ich hatte das Gefühl, dass die Freude nicht mir gehörte und dass ich sie mir ohne Erlaubnis zurückstahl.*

Ich bin ein guter Mensch, der die schlechten und lustigen Seiten des Lebens liebt. Ich glaube, ich wollte das feiern, anstatt mich selbst zu beschämen, denn ich habe das Gefühl, dass jeder ein gewisses Maß an Schlechtigkeit braucht, um das Leben wirklich zu genießen.

„Raising Hell“ war ein besonderer Moment für mich, vor allem die Produktion des Videos. Das war so kathartisch, denn ich durfte das Lied feiern, aber ich durfte auch dieses tolle Erzählvideo mit Luke Guilford machen, in dem ich die Figur sein konnte, von der ich immer geträumt habe – eine Mischung aus Evangelikalen Prediger, Mörder und Bandit.

Es gab eine Szene, die herausgeschnitten wurde, als ich die Leiche eines Mannes über den Boden schleife. Ich schleppte in dieser Plane tatsächlich etwa 50 Kilogramm und ich erinnere mich, dass ich drei Minuten lang nur schallend geschrien habe. Wir wollten es in das Video einbauen, aber es wirkte einfach so psychotisch, dass alle anderen sagten: „Wir können keine drei Minuten haben, in denen du schreist.“ Und ich dachte: „Aber warum nicht?“ [Lacht]

Ich werde mich für immer an diese Szene erinnern, weil es so befreiend war, eine Leiche schreiend durch den Raum zu ziehen. Ich weiß nicht, was daran war, aber es wird für immer einer meiner Lieblingsmomente in meiner Karriere bleiben.

Das ist ein direktes Zitat meiner Mutter. Sie sagte: „Iss niemals die Säure, du willst nicht so verändert werden, wie sie mich verändert hat.“ Sie erzählte mir, dass ich, als ich noch ganz jung war, und bis heute noch nie Säure gegessen habe. Das ist die Ironie des gesamten Albums, denn das war der Katalysator für mein neues Album.

In der Nacht, bevor ich dieses Lied geschrieben habe, hatte ich einfach diese ganze Angst und fühlte mich wirklich destabilisiert in diesem kollektiven Trauma, das die ganze Welt in den letzten paar Jahren erfasst hat. Ich hatte dieses spirituelle Erwachen, den Ego-Tod, die Psychomagie – so nenne ich diese Nacht. Und ich hatte dieses umfassende visuelle Erlebnis und Gespräch mit dem, was ich jetzt als die Quellenergie betrachte.

Ich hatte wirklich das Gefühl, dass das ein psychotischer Zusammenbruch war, aber dann sprach ich mit meiner Therapeutin und sie sagte: „Nein, herzlichen Glückwunsch, das ist ein spirituelles Erwachen.“ Deshalb habe ich beschlossen, mich bei diesem Album darauf einzulassen und wirklich darauf einzugehen, was diese Erfahrung war. Ich wollte, dass der Song und das Album so klingen, wie ich mich fühle.

Ich wollte das Lied unbedingt mit Selbstvertrauen und Kraft beenden. Es ist diese Reise des Zerlegens, um es wieder zusammenzusetzen, und das Aufbrechen der Illusion, um einen Neuanfang zu schaffen – eine Wiedergeburt. Und am Ende ist meine letzte Aussage sozusagen: Jetzt werde ich mich nur noch darauf konzentrieren, das ist mir klar geworden, glücklich zu sein. All die externe Validierung und diese Dinge, von denen ich immer dachte, dass ich sie haben wollte, sehen anders aus, als ich erwartet hatte. Anstatt Ruhm, Glückshäuser, Autos, Freunde, Online-Liebe oder irgendetwas Materielles zu erlangen, liegt mein Fokus mehr darauf, zu lernen, mich selbst zu lieben, mit meiner Vergangenheit Frieden zu finden und eine leere Tafel für meine Zukunft zu öffnen.

„Eat The Acid“ ist der erste Song, den ich für das Album geschrieben habe. Es war ein unbestreitbarer Moment, in dem ich dachte, das sei wirklich anders, und ich weiß nicht, ob das irgendjemandem gefallen wird. Aber das ist es, was es ausmacht, ein Künstler zu sein, und wenn ich in diesem Leben das große Vergnügen habe, ein Künstler zu sein, wäre es für mich selbst und jeden, der die Zeit damit verbringt, meine Musik zu hören, ein schlechter Dienst, wenn ich nicht ganz ehrlich sein würde, wo ich bin 'Matte. Denn jedes Album und jeder Song ist wie ein kleines Kapitel im Buch dessen, wer ich bin. Es wird das sein, was noch lange nach meinem Tod überlebt.

Das war der entscheidende Moment des Albums, in dem ich meine Stärke fand. Das war einer der ersten Songs, die ich in diesem kleinen Mini-Schreibcamp mit Justin Tranter in seinem Haus in den Bergen geschrieben habe. In seinem Keller saßen acht Schriftsteller. Wir sitzen alle auf dem Boden und ich erinnere mich nur daran, wie ich ihnen gesagt habe: „Ich möchte wirklich diese starke Hymne darüber, wie viel Hass ich in meiner Karriere an diesem Punkt ertragen musste. Ich bin so glücklich, an einem Punkt zu sein, an dem …“ es treibt mich fast an.

Als ich in einem Raum voller acht Leute saß und schrie: „Hasse mich noch mehr“, stellte ich mir vor, das [mit] einer Arena meiner Fans zu tun. Es fühlt sich so kraftvoll und so stark an.

Der Song, der das Album eröffnete, war „Eat the Acid“, und der Song, der das Album verankerte, war „Only Love“. Denn während der emotionalen Achterbahnfahrt, die ich bei der Arbeit an [Gag Order] durchlebte, kehrte ich immer wieder zum Mantra zurück: „Nur die Liebe kann uns jetzt retten.“ Das ist mein Mantra für den Zustand der Welt, das ist mein Mantra für alle meine zwischenmenschlichen Beziehungen – zu versuchen, mit Liebe zu führen, auch wenn man sich inmitten all dieser anderen Emotionen befindet. Es ist also der Anker und eigentlich das Herzstück des Albums.

Wir saßen im Shangri La, Rick Rubins Studio in einer Kapelle, und ich war bei diesem Album so intensiv mit der emotionalen Seite beschäftigt, dass ich eines Tages hinging und wir diesen Song so schnell rausbrachten. Ich habe in dieser sehr prägnanten Idee sozusagen alles angesprochen, was in der Welt vor sich geht: Es gibt Schmerz und dann ist da noch die Darstellung. Die Strophen sind also Schmerz und Wut, und die Refrains sind Hingabe und Hoffnung.

Ich erinnere mich, dass ich Rick Rubin eine SMS geschrieben habe, in der er sagte: „Oh mein Gott. Ich glaube, mein neuer Song wird dich zum Kacken bringen.“ Und er sagte: „Yay!“ [Lacht] Und dann sagte ich: „Hast du gekackt?“ Und er sagte: „Ja!“ Ich bin mir ziemlich sicher, dass das bedeutete, dass es ihm gefiel.

„Glücklich“ ist meine Wiedergeburt. „Glücklich“ ist das leere Blatt. „Glücklich“ bedeutet, dass ich aus den Trümmern dessen herauskomme, wer ich war und was ich durchgemacht habe.

Glück ist jetzt mein Ziel, während es früher möglicherweise an Bestätigung und materielle Dinge gebunden war – Erfolge und Zahlen und Statistiken und Autos und Kleidung und Marken. „Glücklich“ versuche ich jetzt in jeder einzelnen Sache, die ich tue, in jedem Atemzug, den ich nehme, in jedem Satz, den ich sage, zu verkörpern. Ich möchte nicht nur glücklich sein, sondern ich wünsche es auch allen anderen, weil ich das Gefühl habe, dass es viel weniger Schmerz und Gewalt auf der Welt gäbe, wenn wir alle glücklich wären. Auf diese Weise öffne ich mich meiner Zukunft.

Ich könnte mir vorstellen, nie wieder ein Album herauszubringen oder in sechs Monaten ein Album herauszubringen. Ich habe keine Ahnung, wohin ich gehe. Ich weiß nur, dass ich bei allem, was ich tue, nicht nur glücklich sein, sondern mit Glück und Liebe führen möchte.

Ich denke, das war die Erfahrung von Gag Order – mir wurde klar, dass ich keine Kontrolle habe, also könnte ich genauso gut diesen emotionalen Exorzismus durchführen, damit ich wirklich wiedergeboren werden kann. Ich bin also einfach offen für das Universum, um zu sehen, wohin es mich führt. Und ich bin wirklich gespannt, wo das ist, während ich vorher das Gefühl hatte, ich müsse mich an einen Standard halten, wer ich bin. Jetzt habe ich das Gefühl, dass ich mich an keine Maßstäbe halten muss, das ist alles eine Illusion. Ich bin wahnsinnig neugierig, was das Universum als nächstes für mich bereithält, und ich habe überhaupt keine Ahnung, was das ist.

Hören Sie sich die Playlist zum LGBTQIA+ Pride Month 2023 von GRAMMY.com mit Demi Lovato, Sam Smith, Kim Petras, Frank Ocean, Omar Apollo und mehr an

Foto: Kristy Sparow/Getty Images, Kevin Winter/Getty Images für LARAS, Kevin Winter/Getty Images für The Recording Academy, Alberto E. Rodriguez/Getty Images für The Recording Academy, Stephen J. Cohen/Getty Images, Gustavo Garcia Villa

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Feiern Sie den LGBTQIA+ Pride Month 2023 mit einer Playlist mit 50 Songs, die Genres und Generationen umfasst und bahnbrechende Künstler und Verbündete ehrt, darunter George Michael, Miley Cyrus, Orville Peck, Lady Gaga und Ariana Grande und viele mehr.

Im vergangenen Jahr haben Künstler der LGBTQIA+-Community weiterhin für Veränderungen gesorgt und Geschichte geschrieben – insbesondere GRAMMY-Geschichte. Im vergangenen November gewann Liniker als erste Trans-Künstlerin einen Latin GRAMMY Award, als sie für „Indigo Borboleta Anil“ das beste MPB-Album mit nach Hause nahm; Drei Monate später gewannen Sam Smith und Kim Petras als erste nicht-binäre bzw. transsexuelle Künstler den GRAMMY Award für die beste Pop-Duo-/Gruppenleistung für ihre sündige Zusammenarbeit „Unholy“.

Allein diese beiden Leistungen beweisen, dass die LGBTQIA+-Community von Jahr zu Jahr mehr Einfluss hat. In diesem Pride-Monat feiert GRAMMY.com diese Fortschritte mit einer Playlist mit Hits und zeitlosen Klassikern, die Gespräche über Gleichberechtigung und Fairness in der LGBTQIA+-Community anregen.

Hören Sie sich unten 50 Songs von Künstlern aus dem gesamten LGBTQIA+-Spektrum an – darunter „Unholy“ und Linikers „Baby 95“ – auf Amazon Music, Spotify, Apple Music und Pandora.

Foto: Ethan Miller/Getty Images

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Nicki Minaj, Charli XCX, Gayle, Haim und – überraschenderweise – Ryan Gosling sind auch im Soundtrack zu „Barbie“ zu sehen – dem lebhaften Sommerfilm aus Knetmasse.

Als der zweite Barbie-Teaser wie eine Wasserstoffbombe aus Memes einschlug, ahnte die Welt zum ersten Mal, dass dies ein sehr musikalischer Film werden würde.

Das geschah anhand von „Fun, Fun, Fun“ der Beach Boys, abgehackt und abgedreht und ein wenig bedrohlich. („Spaß! Spaß! Spaß! Spaß! Spaß!“, sagen die stark veränderten Jungs immer und immer wieder.) Jetzt ist klar, dass der sonnige Hit der 60er nur, ähm, die Spitze des Eisbergs war.

Wie der Rolling Stone berichtet, wird der Barbie-Soundtrack – bekannt als Barbie The Album – eine wahre Spielzeugkiste der größten Popstars von heute sein. Das sind: Ava Max, Charli XCX, Dominic Fike, Dua Lipa, FIFTY FIFTY, GAYLE, HAIM, Ice Spice, Kali, Karol G, Khalid, Lizzo, Nicki Minaj, PinkPantheress, Ryan Gosling (!), Tame Impala und die Junge Laroi.

Das sind noch nicht einmal alle – weitere Künstler werden kurz vor dem Erscheinungsdatum von Barbie The Album, am 21. Juli, bekannt gegeben. (Das ist auch der Tag, an dem der Film erscheint.) Bis dahin lesen Sie weiter, um alles zu erfahren, was wir über den Barbie-Soundtrack finden konnten … also weit.

An der Spitze steht der siebenmalige GRAMMY-prämierte Plattenproduzent und Songwriter, der mit allen zusammengearbeitet hat, von Lady Gaga über Paul McCartney bis hin zu Adele. „Dieser Ken hat dazu beigetragen, einen ganzen Soundtrack zu machen“, twitterte Ronson und würdigte seine Beteiligung.

Das ist laut Apple Music, wo der Löwenanteil der Tracklist aufgeführt ist. (Tracks sechs und 11 sind noch offen). Schauen Sie sich die Titel von Barbie-Liedern an, etwa „Pink“ von Lizzo, „I'm Just Ken“ von Ryan Gosling und „Hey Blondie“ von Dominic Fike. Und…

… ja, Sie haben richtig gelesen: Nicki Minaj und Ice Spice werden sich mit Aqua zusammentun, um „Barbie World“ zu performen – eine neue Version des Klassikers „Barbie Girl“, die im offiziellen Trailer erscheint.

Am 25. Mai veröffentlichte Dua Lipa das offizielle Musikvideo zu „Dance the Night“. (Die dreifache GRAMMY-Gewinnerin spielt im Film auch Meerjungfrau Barbie.)

Abgesehen von ihrem gemeinsamen Track „Sweetest Pie“ mit Megan Thee Stallion aus dem Jahr 2022 ist es seit der Future Nostalgia-Ära ruhig um Lipa; „Dance the Night“ fängt die Magie von Hits wie „Levitating“ ein und zementiert sie als Disco-Queen nach der Pandemie.

Der offizielle Barbie-Twitter-Account bestätigte scheinbar Gerüchte über Lady Gagas Beteiligung, als sie Augen-Emojis twitterten, als Gagas Versprechen „etwas Aufregendes“ versprach. Abwarten und sehen, vermuten wir.

Es bleibt abzuwarten, ob „Fun, Fun, Fun“ lediglich ein Trailer-Song sein wird oder eine Schlüsselrolle im eigentlichen Film spielt. Mit einem Katalog, der buchstäblich randvoll mit Strandhits ist, könnten sie eine Schlüsselrolle in Barbies Musikwelt spielen. Nochmals: abwarten.

Wie der Rolling Stone betont: Was ist Nicki Minajs berühmteste Persönlichkeit? Du hast es erraten. Erwarten Sie, dass die Harajuku Barbie im Soundtrack eine große Rolle spielt – und vielleicht, zumindest spirituell, im Film.

Schauen Sie immer wieder vorbei, wenn weitere Details zum Barbie-Soundtrack ans Licht kommen!

Met Gala 2023: Alle Künstler und Prominenten, die auf dem roten Teppich wilde Looks und heiße Mode serviert haben, von Rihanna über Dua Lipa und Billie Eilish bis hin zu Bad Bunny, Cardi B und Doja Cat und mehr